El Engaño Hemingway: un error ultradimensional

En 1922 un joven Hemingway pierde una maleta con la única copia de su primer novela, ochenta años después en un pequeño café un estafador inescrupuloso se encuentra con un profesor de literatura especialista en el afamado autor al cual le propone que realice unos escritos imitando el estilo de Hemingway para hacerlos pasar como esa primer novela perdida. Este será el punto de partida para El Engaño Hemingway (1991) novela corta escrita por Joe Haldeman, un viejo zorro de la ciencia ficción conocido por su saga de La Guerra Interminable con la que gano los premios Hugo y Nebula en 1975 y que con esta novela repite los mismos galardones con una obra que parte desde una premisa muy original al introducir al lector en los devenires de la falsificación literaria, pero como si esto no fuera suficiente, Haldeman decide que la creación de una trama sustentada en el engaño es poco para sus intereses, así que adereza toda esta experiencia con múltiples viajes a universos paralelos. Debo reconocer que inicialmente me encanto la idea, parecía ser que la trama rocambolesca planteada podría funcionar de maravilla, pero lastimosamente todo se queda a medio camino gracias a que el autor decide entreverar demasiado la historia con una especie de grupo policial del espacio tiempo que vera este intento de falsificación como un atentado a la debida línea temporal, lo que implica por supuesto que nuestros profesor de literatura deberá enfrentarse a estos guardianes viajando por diferentes realidades en las que las pequeñas diferencias alteraran sustancialmente su plan, al que conforme pasen las realidades, ira revaluando y se dará cuenta que no es más que otra víctima del engaño, desatando un final apresurado del que Haldeman no sale bien librado pues las cosas se habían puesto tan brumosas que ni el mismo autor tuvo idea como solucionar dejando un montón de cabos sueltos y una sensación de estar perdido en medio de la nada, de hecho releí los dos últimos capítulos para ver si había pasado algo por alto, pero ni con eso pude encontrarle claridad al final de esta historia que resulta sumamente decepcionante teniendo en cuenta la maravillosa idea inicial. 

The Great Silence: un spaghetti western sin mucha salsa

Una deuda pendiente que tenía como fan del genero era el visionado de este film de Sergio Corbucci que se había ganado mi simpatía con esa obra maestra llamada Django (1966), por eso The Great Silence (1968) se presentaba como una gran oportunidad de retomar el camino de los hombres sin nombre y que tienen como regla disparar primero y preguntar después al ser una de las películas más aclamadas del genero. Con esta premisa me sumergí en la historia que Corbucci plantea evadiendo los acostumbrados parajes polvorientos y secos cambiándoles por un pueblo cubierto de nieve en el que no se ve más allá de sus propias narices. Este pequeño poblado será el eje central de la historia en la que los habitantes del lugar se ven obligados a convertirse en forajidos para poder traer el pan a la mesa de sus familias, convirtiendo a Colina Nevada en un paraíso para los caza recompensas que tienen un lugar lleno de hombres a los que el estado les ha puesto precio a sus cabezas.

Es en este momento cuando conocemos al personaje de Loco interpretado con sobreactuada magistralidad por Klaus Kinski, un perfecto villano sin escrúpulos que se encargara de cazar a cada uno de los forajidos del lugar para así llenar sus bolsillos con el dinero de las recompensas. Lo que no espera Loco era que una de las esposas de sus recientes presas decidiera contratar a un pistolero a sueldo para cobrar venganza por todos los vejámenes que este hombre a cometido. Tenemos entonces la excusa perfecta para la entrada del héroe en escena interpretado por Jean- Louis Trintignant que se pondrá la piel de Silencio, un misterioso hombre que ayuda a los más necesitados y que vera a Loco como su más grande enemigo, desarrollándose una subtrama que nos llevara por la niñez de Silencio aclarándonos sus reales motivaciones y el porqué de su presencia en el pueblo.

Como era de esperarse las cosas se ponen al rojo vivo entre los dos protagonistas que van intercalando escarceos mientras Corbucci nos introduce a los demás miembros del cast entre los que nos encontramos al nuevo sheriff del pueblo que será el aporte humorístico de la trama, un diputado corrupto que se plantea como el poder tras las sombras y el acostumbrado interés romántico del héroe representado en una viuda alegre que rápidamente deja el negro para entregarse a los brazos de Silencio. Pero todo esto pasa a un segundo plano, por lo que realmente importa es enfrentamiento entre los dos protagonistas que se dilata casi innecesariamente y ese es el gran pecado de Corbucci, el viaje de camino al encuentro final me resulto algo aburrido, quizás la falta de carisma por parte de Trintignant hizo que no me preocupase demasiado por su suerte mientras que Kinski se robaba todos los laureles en cada una de las escenas en las que participa, por lo que solo quieres que avancen los minutos para poder disfrutar del último baile de disparos.

Es aquí cuando comprendo un poco porque es tan emblemática esta película, su final es impactante como pocos al abrazar lo políticamente incorrecto regalándonos una escena que respira genialidad en cada una de sus secuencias en la que la música de Ennio Morricone crea un efecto de melancolía inusitada que logro hacerme olvidar por completo lo aburrido de su desarrollo para dejarme grabado a fuego esos últimos cinco minutos en los que Sergio Corbucci demuestra porque es uno de los más grandes directores del spaghetti western.

                              

Quiero A Mi Mujer

Tras una cruel batalla The New Avengers se toman un momento reflexivo para de una vez por todas resolver el misterio del irresistible sex appel de Spider-Woman, la respuesta es que uno de los poderes de la chica arácnida es liberar una feromona que induce atracción a cualquiera que se le acerque;  tras el descubrimiento el tándem masculino formado por Spider-Man, Wolverine y Luke Cage se da un respiro y descarta cualquier tipo de locura, discapacidad o infidelidad marital regalándonos uno de los mejores momentos cómicos de toda la serie. 

El Increíble Mach Five

A mediados de los noventas Cartoon Network era el paraíso para descubrir dibujos animados, en este canal vi por primera vez Fuerza G (Gatchaman para los puristas) una de mis favoritas de toda la vida que se gano mi corazón en una maratón de dos días en la que pude disfrutar de las aventuras de este particular grupo. También descubrí a Jonny Quest, Los Centuriones y esa maravilla de show que era El Fantasma del Espacio de Costa a Costa los cuales se convirtieron en mis favoritos de aquellos años. Pero había algo que siempre me rondaba la cabeza y eso era la programación pasada medianoche,  series que aun no habían sido dobladas y que frente a la barrera idiomática solo quedaba estar atento a las imágenes intentando comprender de que iba todo aquello. Dos en particular quedaron en mi memoria, Rocky and Bullwinkle, una ardilla y un alce que vivían absurdas situaciones  incomprensibles para mi corta edad pero que de vez en cuando me sacaban una sonrisa y Speed Racer genial serie sobre autos en las que no necesitabas entender mucho de la trama para disfrutar de las violentas carreras, los estrafalarios villanos y los increíbles autos repletos de gadgets a cual de todos más descabellado, pero sin duda el Match Five, el auto del protagonista, era el más memorable, así que en un ataque de nostalgia por esas madrugadas pegado a la pantalla viendo como Meteoro hacia morder el polvo a sus rivales realizo este post en el que resolveré uno de los misterios que me atormentaba en esos años, para que sirven todos los botones del timón del Match Five.

Boton A

Permite el lanzamientos de cuatro potentes gatos hidráulicos para que el auto sea reparado con facilidad, aunque Meteoro lo usaba a menudo para saltar largas distancias, saltar sobre otros coches, saltar sobre ríos, saltar sobre cualquier cosa! Y lo mejor es ese inconfundible sonido que acompañaba cada uno de los saltos.

Boton B

Otorga una cubierta especial a los cuatro neumáticos lo que le permite un mayor agarre en cualquier tipo de terreno: firme, inestable, helado, suelo marino, laderas verticales. Lugares en los que los 5000 caballos de fuerza de apoyo que provee este sistema ayudan a Meteoro a salir de más de un aprieto.

Botón C 

Uno de los más geniales gadgets del Match Five que le permite utilizar un par de potentes sierras rotativas que sobresalen de la parte delantera y que suelen ser utilizadas para eliminar obstáculos del camino. Nunca vi un episodio en que se usase las sierras en contra de otro auto, idea que siempre se me pasaba por la cabeza cuando las carreras se ponían complicadas, pero supongo que eso iba contra la moral de un personaje tan blanco como el protagonista.

Botón D

Libera un escudo protector que sella por completo la cabina del piloto con múltiples utilidades como servir de protección contra balas, resistir potentes choques o convertirse en una cámara de aires para cuando Meteoro se sumergía en carreras submarinas.  

Botón E

Control de iluminación especial que permite una visión mejorada el cual tiene un alcance superior a los mi metros y que además incluye el modo de visión nocturna que esta provisto de dos potentes luces infrarrojas que no dejan en las sombras ninguno de los peligros que acechan en el camino.

Botón F

Se utiliza cuando el Mach Five está bajo el agua, convirtiendo el auto en un modelo anfibio al liberar inicialmente un suministro de oxigeno en la cabina previamente sellada, posteriormente se eleva un periscopio de la parte trasera el cual tramite la información hasta una pantalla ubicada en cabina del conductor completando el circuito del genial mecanismo .

Botón G

Libera un pequeño robot en forma de ave el cual es utilizado para transmitir cualquier incidencia de la carrera, grabar mensajes, enviar información y hasta como instrumento de defensa al ser controlado por un mando a distancia instalado en la parte trasera del timón.

Poster del Domingo – Star Wars: a new hope

Una cantidad incalculable de mercancías relacionadas con el universo creado por George Lucas se ha producido desde el lanzamiento de  Episodio IV – A New Hope (1976), de todas ellas mi favorita siempre han sido los posters de las películas en los que de una u otro manera se intenta plasmar una imagen que represente el espíritu de la gran saga de aventuras intergalácticas. A lo largo de los años he podido encontrar algunas rarezas dignas de compartir, de eso va este post, una galería de poster del Episodio IV, quizás el más prolífico en cuanto a imágenes promocionales se refiere.

Iniciamos con dos de los mejores poster que sean realizados sobre A New Hope, el primero de ellos es una imagen creada por los hermanos Hildebrandt, famosos ilustradores de fantasía y ciencia ficción que con esta imagen pasaron a la historia al realizar el primer poster sobre la franquicia de Lucas y que en mi opinión es la mejor de todas las piezas que han sido publicadas al ser capaz de captar la esencia de la historia de la película. La acompaña el poster italiano creado por Michelangelo Papuzza un artista desconocido hasta ahora para mí del que investigando un poco me encuentro con un trabajo exquisito digno de reivindicar y que merecería un post para sí solo encabezado por este genial poster que plasma el estilo del fumetti italiano en una imagen que me encantaría que adornara mi biblioteca.

Continuamos con un par algo menos conocidos, el primero de ellos es el poster israelí que copia descaradamente la imagen de los hermanos Hildebrandt, aunque con algunas diferencias, me llama especialmente la atención la manera como caracterizaron a la princesa Leia, con una pose cercana a una típica femme fatale mientras que el buen Luke parece haber consumido una gran cantidad de esteroides para desarrollar tan portentosa musculatura. Por otra parte tenemos el poster rumano que no aporta nada nuevo realmente, un trabajo que pasa al blanco y negro a modo de fanzine el poster tradicional que solo se encuentra en esta galería dado su lugar de origen, bueno es que no todos los días podemos ver poster de películas hechos en Rumanía.

Un poster bastante desconocido es el realizado por el artista Drew Struzan, ilustrador también digno de reivindicar con una carrera de largo aliento y que en esta oportunidad nos regala una imagen sumamente encantadora que busca representar los cientos de poster que son pegados en la ciudad uno sobre otro y que con el pasar de los días o la extracción por parte de fanáticos cinéfilos se van deteriorando poco a poco,  sin dejar de lado la idea principal de un poster, que no es otra que vender la película, por ello toma lo mejor de la misma y lo plasma de manera magistral en la imagen, así como lo suelen hacer nuestros amigos japonés, infaltables en esta sección y que siempre sorprenden con su buen hacer a la hora de elegir los elementos más representativos de la películas en especial con este poster que como bien mencione sobre el realizado por Papuzza me encantaría verlo en algún lugar de mi casa. 

Las cosas se ponen algo abstractas con este par de imágenes, la primera de ellas es el poster realizado por el húngaro Tibor Helényi  personaje del que se encuentra muy poca información y que realiza un muy curioso acercamiento a la historia de Lucas, de la que al parecer lo que más le gusto fue el personaje de Darth Vader que es el protagonista absoluto del poster al cual le da un traje diferente al de la película mucho más cercano a los trajes que usaban los samuráis el cual surge imponente con la Death Star sobre si.  Claro que nuestros amigos polacos no se quedan atrás y nos sacan bajo la manga un poster protagonizado por C-3PO realizado por un artista un tanto más conocido que su contra parte húngara y que por lo visto se decanta por este tipo de trabajos en los que suele incrustar cierta crítica social, al parecer esta fue su idea con este curioso poster al sobreponer la imagen del androide diplomático sobre los protagonistas humanos. 

Bonus Stage: si los anteriores les parecieron curiosos, este está fuera de toda liga con un poster cercano a una pesadilla infantil que nace de la mente András Fevidéki, otro artista húngaro con un trabajo bastante singular y que suele realizar este tipo ilustraciones en las que predomina una estética bizarra.

Terminal Island: la isla de las mujeres macisas

Uno de los clásicos del cine de explotación de los 70´s es sin duda Termina Island, producida por la infatigable Dimensión Pictures la cual nos regala noventa minutos de diversión con una premisa jugosa a no más poder en la que los peores criminales del país son enviados a una isla desierta en la que construyen una sociedad incipiente dominada por el villano de turno que con puño de hierro tienen bajo su manto a la mayoría de reclusos de la isla. La historia tomo un giro con la llegada de Carmen una Pam Grier de segunda división interpretada por Ena Hartman, que se opone a los vejámenes de los que son víctimas las mujeres en el campamento dominado por Bobby el cual las obliga a trabajar duramente en el día para posteriormente cumplir las funciones de amantes de los hombres del campamento. Las cosas no pintan muy bien para Carmen que  no tiene más remedio que ceder ante la presiones del líder del campamento que  suele disfrutar con los constantes ataques de violencia que surgen entre su grupo, permitiendo luchas, violaciones y asesinatos sin despeinarse un poco.

La historia se retuerce aun más con la presencia de una facción rival que secuestra a las féminas del campamento en un acto de hombría inigualable regalándonos uno de los mejores momentos de la película con una escena de acción tan mal coreografiada que resulta entrañable su visualización. Este nuevo grupo es mucho más laxo que el comandado por Bobby, aquí las mujeres son tratadas como iguales y no como objetos sexuales, permitiendo un desarrollo mayor a las mujeres del grupo que no tardan en convertirse en un tándem erótico a la cabeza de la bien dotada Phyllis Davis, que se suma a Barbara Leigh y Marta Kristen para llenar la pantalla con sus curvilíneas figuras,  pasando a un segundo plano la historia de la lucha de poder entre las dos facciones que habitan la isla llevándonos por los terrenos del sexploitation más serie B. 

Por supuesto este idílico edén no durara para siempre cuando Bobby envía a sus esbirros para recuperar a sus mujeres, desencadenando el inevitable enfrentamiento en el que un primerizo Tom Selleck traicionara a su antiguo grupo para darle la ventaja al grupo de los good guys que cuentan con pequeñas bombas molotov que les dará la ventaja necesaria para derrotar a sus rivales instaurando un nuevo orden reinante en la isla en la que la igualdad será la bandera ondeante para un final demasiado políticamente correcto para una historia que cumple todos los cánones del cine de  explotación. 

               

Momentos POP – La Verdad Sobre la Vida

Marty: ¿Te puedo hacer una pregunta? Eres cristiano, ¿no?.

Rust: No.

Marty: ¿Entonces para qué tienes una cruz en tu apartamento?.

Rust: Es una forma de meditación.

Marty: ¿Cómo?.

Rust: Medito el momento en el jardín, la idea de permitir tu propia crucifixión. 

Marty: Pero no eres cristiano. ¿Y en qué crees?.

Rust: Creo en que la gente no debería hablar sobre esta clase de mierda en el trabajo.

Marty: Espera, espera. Hemos estado juntos durante tres meses, no sé nada de ti. Hoy, ya que estamos metidos en esto, sé cortés conmigo, ¿de acuerdo?, no intento convertirte.

Rust: Mira. Me considero un hombre realista, pero, en términos filosóficos, soy lo que se llama un pesimista.

Marty: Vale. ¿Eso qué significa?.

Rust: Significa que no se me dan bien las fiestas.

Marty: Déjame decirte una cosa. Tampoco se te dan muy bien lo que no son fiestas.

Rust: Creo que la conciencia humana fue un paso en falso en la evolución. Nos hemos vuelto demasiado conscientes de nosotros mismos. La naturaleza creó un aspecto de ella separado de ella misma. Somos criaturas que no deberían existir por ley natural.

Marty: Eso suena horrible de cojones, Rust.

Rust: Somos cosas que trabajan bajo la ilusión de tener un ser propio, esta acumulación de experiencias sensoriales y sentimientos programada con la total seguridad de que somos alguien, cuando, de hecho, nadie es nadie. 

Marty: Yo no iría por ahí soltando esa mierda, si fuera tú. La gente de aquí no piensa de ese modo. Yo no pienso de ese modo.

Rust: Creo que lo honorable para las especies es denegar nuestra programación, dejar de reproducirnos, caminar de la mano hacia la extinción, una última noche, hermanas y hermanos excluyéndonos voluntariamente de un contrato injusto.

Marty: ¿Entonces para qué nos levantamos cada mañana?

Rust: Me digo a mí mismo que para dar testimonio, pero la respuesta correcta es que estoy obviamente programado para ello, y que carezco de la capacidad de suicidarme.

Marty: Qué suerte la mía. Hoy me propuse lograr conocerte. Tres meses, no oigo ni una palabra de ti, y...

Rust: Lo pediste.

Marty: Sí. Y ahora te ruego que te calles de una puta vez.

En solo dos días me devore la primera temporada de True Detective, drama de HBO que narra la investigación de una serie de extraños asesinatos por parte de los detectives Marty Hart y Rustin "Rust" Cohle, una pareja singular como pocas, con un mar de diferencias por delante, pero que en la práctica resultan un equipo imbatible, solo amenazado ante la autodestrucción que ellos mismos propongan, en especial por parte de Rust, personaje inigualable interpretado por Matthew McConaughey con una maestría tal, que hace que los demás parezcan actores promedio cuando en realidad todos tienen un desempeño superlativo que se ve reflejado en la impecable factura de la serie que te atrapa instantáneamente con un desarrollo histórico envolvente cargado de diálogos exquisitos como el que acompaña este post en el que Rust plantea su visión de la vida a Marty tras encontrar un cuerpo abandonado el cual será el detonador para el desarrollo de la trama y que resulta la excusa perfecta para regalarnos esta impagable conversación. 

Tales from the Crypt – Primera Temporada

Tales from the Crypt es una serie de televisión creada por la cadena HBO en 1989 tomando como base las historia de los comics de terror publicados por EC Comics en la década de los 50’s que se aglutinaban en las series The Crypt of Terror, Haunt of Fear, Vault of Horror, Crime Suspen Stories, Shock Suspen Stories, Two-Fisted Tales y la homónima Tales from the Crypt. Como era una cadena de cable la que trasmitía la serie, esto permitió a los productores, un dream team conformado por Richard Donner, David Giler, Walter Hill, Joe Silver y Robert Zemeckis, presentar a la audiencia escenas de violencia gráfica que eran impensables para la época del estreno logrando captar rápidamente un gran número de seguidores que podían disfrutar de sus historias favoritas de la EC Comics trasladada a la pequeña pantalla. La serie tuvo una duración de siete temporadas entre 1989 y 1996 con un total de 93 episodios los cuales contaban con la presentación de the Crypy Keeper, una marioneta creada por Van Snowden a la que le ponía voz Jhon Kassir que le daba ese toque cochambroso característico que se convirtió en símbolo de la serie con fuerza propia al ser la imagen más representativa de la misma. 

En este primer post daré un repaso a la primera temporada, la más corta de toda con solo seis episodios emitidos, curiosamente en menos de 20 días, incluso los tres primeros fueron trasmitidos el mismo día en un especial de dos horas. Supongo yo que había cierta preocupación por parte de la HBO al tener en pantalla historias que fueron censuradas en su momento y que contaban con un alto índice de violencia explicita para la época, pero por fortuna estos temores se disiparon rápidamente tras el rotundo éxito que tuvieron los tres primeros episodios, lo que le llevo después de esto a encargar a los productores una segunda temporada con el triple de episodios y que se estrenaría al año siguiente; pero ya llegare a ese momento,  por ahora veamos el pleno de la primera temporada.

1. The Man Who Was Death

Publicado originalmente en Crypt of Terror #17 

Tras la abolición de la pena de muerte, Niles Talbot, verdugo oficial del la cárcel del estado de Nueva York es despedido de su trabajo al no serle útil ya a sus antiguos empleadores. Al encontrarse sin trabajo Niles se cuestiona sobre la eficacia del estado y de cómo este castiga verdaderamente a los criminales, en un discurso digno de cualquier misántropo al que Talbot carga de un regusto de justicia poética al dedicarse a vigilar a criminales que son exonerados bajo tecnicismo de la justicia que no  pasaran inadvertidos para el antiguo verdugo que a sus anchas se dedica a electrocutar a quienes considera escorias de la sociedad. Por supuesto lo bueno dura y Talbot es capturado por la policía que le informa que se ha restituido la pena de muerte y que esta será inaugurada con su ejecución, terminando el capitulo con Niles en su antiguo lugar favorito la silla eléctrica.

2. And All Through the House

Publicado originalmente en Vault of Horror #35

Este es por mucho mi capitulo favorito de la temporada al plantear una historia tan surrealista como repleta de clichés del genero. El capitulo inicia con una mujer que decide matar a su marido como auto regalo de navidad para así poder escaparse con su amante, las cosas se complican cuando Elizabeth intenta deshacerse del cuerpo de Joseph, momento en el cual la radio anuncia que hay un asesino acechando por los alrededores, un paciente del instituto psiquiátrico local que se ha fugado y que tras de sí ha dejado 4 mujeres muertas y que tiene como sello distintivo el usar un traje de Santa Claus. No falta ser demasiado listo para saber que el asesino hará una pronta visita a nuestra viuda alegre con el atenuante de que Elizabeth no puede contactar con la policía tras el asesinato de su marido. La solución vendrá a manos de Carrie la pequeña hija de Elizabeth que espera con ansias la llegada de santa para así recibir sus ansiados regalos de navidad.

3. Dig That Cat… He's Real Gone

Publicado originalmente en Haunt of Fear #21

Para probar su teorías sobre la vida después de la muerte, un típico mad doctor convence a un vagabundo para que sea parte de su experimentos por unos cuantos dólares. La idea del doctor es sencilla, implantar una glándula de gato en Ulric para así otorgarle las nueve vidas que se le adjudican a los felinos. Increíblemente el experimento funciona y Ulric pasa de ser un vagabundo cualquiera al único hombre en el mundo con nueve vidas. Ahora como sacarle provecho a esta situación, nada mejor que crear un acto de feria en el que Ulric muera una y otra vez para llenar sus bolsillos de dinero, pero como suele suceder en estos casos la ambición rompe el saco y se convertirá en un juego a tres bandas con la intervención del interés romántico de Ulric, que desencadenara un final en que de seguro las cosas no terminaran bien para ninguno de los participantes.

4. Only Sin Deep

Publicado originalmente en Haunt of Fear #24

Una mujer codiciosa y un tonto millonario son la combinación perfecta para recrear uno de las historias clásicas de Tales from the Crypt en la que una prostituta de poca monta decide cambiar su futuro conquistando a un desafortunado hombre de negocios con el objetivo de escurrirle todo el dinero. El plan maestro inicia con el asesinato de un proxeneta al que le roba sus joyas para llevarlas a la casa de empeño, allí se encontrara con un extraño propietario que le compra sus joyas además de ofrecerle 10.000 dólares por un molde de su cara, por su puesto nuestra protagonista accederá a tan particular propuesta con tal de hacerse con el dinero que la lleve a conseguir su objetivo sin prestarle demasiada atención a la clausula de la negociación, en la que se compromete a devolver los 10.000 trascurridos cuatro meses, de no ser así el molde pasara oficialmente a manos del propietario de la casa de empeño. Craso error el no detenerse en la letra menuda del contrato por que en el mundo de Tales from the Crypt este tipo de negociaciones suelen acarrear consecuencias fatales. 

5. Lover Come Hack to Me 

Publicado originalmente en Haunt of Fear #19

Siguiendo con la línea de caza fortunas el episodio cinco nos ofrece el otro lado de la moneda con un gigoló en plan Fabio que se casa con la heredera de una gran fortuna para como de costumbre apoderarse de ella. Esta vez las cosas son algo más descabelladas (si se puede) con una trama que inicia con los recién casos rumbo a su luna de miel, pero una tormenta hace que deban pasar la noche en una mansión abandonada en lo que inicialmente parece ser un elaborado plan urdido por Charles para deshacerse rápidamente de su nueva esposa, las cosas se retuercen cuando nos damos cuenta que quien esta tras todo esto es Peggy quien utiliza a Charles como semental para hacer cumplir su sueño de engendrar un hijo, ahora que lo ha conseguido su nuevo esposo le es inútil y nada mejor que un hacha de batalla de batalla para firmar el divorcio. 

6. Collection Completed

Publicado originalmente en Vault of Horror #25 

Finalizamos la temporada con el capítulo más flojo de todos en la que Jonas, un hombre amante de su trabajo que tras cumplir la edad reglamentaria es obligado a jubilarse, esto sume en un caos su vida que ahora se reduce a levantarse de la cama y esperar a que pasen las horas. El ocupar el tiempo será la nueva cruzada del protagonista, proceso en el cual ira convirtiendo su matrimonio en una constate disputa con su esposa que durante los años de trabajo de su esposo lleno su vació con una gran cantidad de mascotas que harán las delicias del irritable Jonas. La historia se retuerce cuando Jonas por fin encuentra un hobby en el que invertir su tiempo libre, la taxidermia es su elección y que mejor que practicar con las molestas mascotas de su mujer. Pero Jonas pagara caro su elección al enfrentarse  la furia de una animalista de corazón que lo convertirá en lo que más odia, en un final un tanto blanco y que se siente falto de la mala leche habitual de toda la temporada.

Los Caminantes

Los Caminantes (2009) ha sido mi primer acercamiento al bomm de la literatura zombi que lleva varios años dominado el género de terror y que ya ha pasado por la cresta de la ola hace un par, así que arranco mi camino en un género que parece más en franca decaída que en su mejor momento. De cierta manera el llegar tarde me permitió husmear lo suficiente para saber que obras sobresalen dentro de la inmensidad de títulos que abundan en el mercado, en este selecto grupo siempre estaba la obra de Carlos Sisi un autor español que publico los primeros capítulos de Los Caminantes en un blog alcanzando tal grado de popularidad que la Editorial Dolmen se hizo con los derechos de la misma cumpliendo el sueño de Sisí de ver su trabajo publicado.

La historia nos traslada a la ciudad de Málaga momentos antes de que se desate el apocalipsis zombie en el que conoceremos a un grupo de sobrevivientes que deberán afrontar las desventuras de que los muertos vuelvan a la vida con ansias de carne humana. Estos primeros capítulos pueden ser los más difíciles de sobrellevar de la novela, pues resultan demasiado lentos y por momentos hacen que pierdas un poco el interés con la historia que si bien son necesarios para la construcción del engranaje de la novela pueden llegar a cansar por la falta de ritmo. Por fortuna estos no tardan demasiado en desaparecer  encajando las piezas como el autor necesita  para apretar el acelerador justo cuando los diferentes sobrevivientes, separados inicialmente, convergen en pos de Carranque, un polideportivo del que se trasmite una señal de radio en la que se ofrece refugio. 

Este punto es sin duda el despertar de la trama que nos llevara de la mano por cada una de las situaciones que los protagonistas deberán sortear para llegar al tan ansiado refugio, al mismo tiempo que el autor nos introduce al personaje del Padre Isidro, villano con mayúscula al cual irremediablemente terminaras odiando y  que se convertirá en pieza clave del desarrollo subsecuente de la trama con la llegada de los protagonistas a Carranque  y su habitual enfrentamiento con el villano de turno en unos capítulos finales que me dejaron sin aliento y que devore con gran entusiasmo conforme me iba acercando al final, el cual me dejo con un gran sabor de boca y con ansias de continuar la trilogía que se completa con Necropolis (2010 ) y Hades Nebula (2011) que sin son por lo menos la mitad de buenos que su predecesor me aseguran grandes momentos de diversión. 

Legado Comiquero

Antes de partir para la academia Morning Glories, Hunter le deja a su hermano menor su colección de Grant Morrison, en un acto entrañable al que no puedo ser indiferente tras sumergirme de nuevo en la obra de Nick Spencer de la que por fin pude hacerme con los dos últimos tomos que  me permitirán terminar con la historia. Por ello decidí retomar la lectura desde el principio de Morning Glories para tener todo de nuevo en mi cerebro y así poder reencontrarme con la genial obra publicada por Image Comics que tras la lectura del primer número logro engancharme como la primera vez. 

Space Pirate Captain Harlock

En un futuro lejano o tal vez en un pasado distante… la raza humana se propaga a través de la galaxia por medio de colonias fundadas en otros planetas. Su población tuvo un aumento que supera miles de millones de habitantes los recursos se han agotado, la tasa de natalidad había colapsado por lo que la raza humana se encuentra en decadencia, comenzó un movimiento que aboga por un retorno a la madre. Sin embargo, el planeta no soporta la repatriación un enorme conflicto por el derecho a regresar a comenzado, conocida como La Guerra del Regreso, entonces una estructura gubernamental nació, la que pondría fin a la guerra. La Coalición Gaia declaró a la Tierra como Lugar Sagrado, donde no se permite entrar a nadie. Por lo tanto, el planeta Tierra es utilizado como símbolo para ver desde la distancia, mientras tanto los colonos de los planetas se están muriendo.  A todo esto un hombre se resistió.. y continuó aventurarse hacia las profundidades del espacio. Un pirata espacial inmortal desde el último siglo que desafía los buques de guerra de la federación. Buscado por la Coalición Gaia, con el código S-00999 su nombre es…

Esta espectacular introducción es la que nos pone a tono con Space Pirate Captain Harlock (2013) película de animación de la siempre bien ponderada Toei y que trata de actualizar la historia escrita por Leiji Matsumoto en el manga del mismo nombre publicado en 1977 el cual seria adaptado posteriormente al anime logrando un reconocimiento mundial gracias a su intrincada y adictiva historia. Debo reconocer que el manga no he tenido la oportunidad de leerlo y en cuanto al anime algunos capítulos sueltos han pasado por mis ojos, los suficientes como para hacerme una idea de lo que podía esperar, pero tras los primeros minutos me doy cuenta que la esta reinvención del pirata espacial es mucho más oscura, cargando a la figura de Harlock de un halo de misterio que no termina de convencerme. La razón es que en la película de Shinji Aramaki el comandante de La Arcadia es casi un personaje secundario, el cual conocemos a través de su tripulación y de Yama nuevo recluta del buque espacial  y que será nuestros ojos durante el desarrollo de la trama. 

Esta tendencia a dejar al Capitan Harlock en un segundo plano, como alguien demasiado viejo que debe dar un paso al costado para dejar el camino a las nuevas generaciones, es un peso demasiado grande para la película que me fue perdiendo conforme pasaban los minutos y la trama se iba alargando innecesariamente. Por supuesto no todo puede ser malo, como experiencia visual Space Pirate Captain Harlock es inigualable, su animación CGI es de lo mejor que he visto en años, en especial sus escenas de batalla que regalan los mejores momentos de la película con una icónica Arcadia que hace suya cada secuencia en la que aparece y que debería ser la verdadera protagonistas de la película.

             

Poster del Domingo - Blue Demon

Hace algún tiempo publique un poster del domingo sobre las películas de El Santo, era irremediable que cayera tarde o temprano una colección de su más acérrimo rival Blue Demon, figura clave dentro de la lucha libre mexicana que cosecho el mismo número de seguidores que el enmascarado de plata lo que por supuesto lo llevo a incursionar en el séptimo arte teniendo una línea dominada por el cine fantástico y el cine negro como se acostumbraba en aquella época regalándonos grandes películas para aquellos que disfrutamos con la psicotronia del cine de luchadores que en una mismo film te pueden colar un grupo de zombies luchadores rusos traficantes de tabaco con un doctor loco que crea un ejército de momias de ultratumba con poderes mentales.  

La primer película en la que participo Blue Demon fue La Sombra del Murciélago (1966) en la que se enfrentara a Murciélago, un ex luchador trastornado tras ser desfigurado y que se recluirá en una cueva en la que conformara un grupo de esbirros que le ayudaran a secuestran a lindas señoritas para saciar sus más oscuros deseos. El asunto se complica cuando Murciélago decide ir por Marta, una cantante popular amiga de Blue Demon que se interpondrá en el camino del desquiciado villano que nos regala una aparición estelar en el poster con su cara desfigurada mientras que el luchador comparte una doble impresión que me causa cierta extrañeza con esa dualidad entre la bella Marta y la bruja amiga de Blue Demon que aparece en film en una misma escena retratada en un fotograma y una ilustración.

Uno de sus trabajos más emblemáticos es Blue Demon Contra las Diabólicas (1967) en el que el enmascarado se enfrenta contra una organización criminal dominada por mujeres (diabólicas!) que por supuesto buscan dominar el mundo. Debo ser honesto y decir que esta peli no la he visto, pero se me hace agua la boca con ese poster genial con las diabólicas en pose de go-go dancer que me remiten irremediablemente a la intro de la maravillosa Faster Pussycat Kill Kill (1965) y que me lleva a pensar que por ahí van los tiros, femmes fatales que usaran todos sus atributos para acabar con el ídolo popular.

Continúo con La Invasión de los Muertos (1971) pelicua trash como pocas dentro de la filmografía de Blue Demon que se atrevía a grabar lo que le pusieran por delante, y esta no es la excepción, en esta película tenemos de todo, invasores espaciales, psíquicos, mafia, muertos vivientes y por supuesto malas escenas de lucha. El asunto es particularmente similar a Plan 9 From Outer Space al meter escenas que rayan lo incongruente y que parecieran no tener sentido alguno, pero para René Cardona, director de la película parece no presentar ningún inconveniente. La verdad es que la película es mala, solo recomendada para completistas del cine de luchadores, sin embargo el poster es toda una maravilla con esos zombies que recuerda a los morlocks de The Time Machine de H. G Wells y el alien que acosa la espalda de los protagonistas digno de cualquier accidente en Roswell formando una imagen sumamente sugerente  vendiéndonos algo que ni remotamente encontraremos en la película. 

La Mafia Amarilla (1972) es una de las incursiones de Blue Demon en el mundo del cine policíaco, en ella se enfrentara a El Dragón Amarillo, una organización criminal que controla el hampa en ciudad de México que terminara irremediablemente por cruzarse en el camino del justiciero enmascarado en una película que sin ser de las más recordadas resulta muy entretenida, especialmente las escenas en las que Blue Demon comparte con la rubiales Tere Velasquez con la que tiene una química surrealista la cual se roba gran parte del poster en el que podemos ver un fotograma de uno de los momentos en los que investigan uno de los crímenes cometido por El Dragón Amarillo.

Cercano al cenit de su carrera en el cine, Blue Demon graba La Mansión de las Siete Momias (1975), película en compañía de Superzán que se presenta como su compañero de aventura durante un viaje a Guatemala para ayudar a una joven a liberar una mansión de un grupo de momias malignas que acosan constantemente su propiedad. Este es otro de sus trabajos más bajo presupuesteros  y no es tampoco una de las más entretenidas, se salva por los pelos gracias a lo bizarro de su producción que nos regala un grupo de momias con chaquetas de cuero y la presencia de María Cardinal mulata maciza digna de ver en pantalla.

Galería de Portadas Batman

Batman apareció por primera vez en el número 27 de Detective Comics el 30 de marzo de 1939 con dibujos de Bob Kane y un guión de Bill Finger en la historia titulada El caso del sindicato químico. Su primera aventura como The Bat-Man se estrenó en mayo, pero el personaje como lo conocemos hoy en día tuvo que esperar hasta 1940 cuando fue publicado Batman # 1, cómic en que se introdujo los personajes del Joker y Catwoman como enemigos del incipiente super héroe y que se presento como una protohistoria de lo que serian las aventuras del  hombre murciélago. Desde entonces el enmascarado que se esconde tras la personalidad del multimillonario Bruce Wayne ha pasado por miles de aventuras, por eso en honor a los 75 años de su existencia público esta galería con las mejores portadas que han adornado los comics del superhéroe que mejor ha sabido aguantar el paso de los años.

Batman # 686 (2009) – Arte por Andy Kubert

Comic escrito por Neil Gaiman en él que se pretende dar fin a la historia del hombre murciélago con un numero en el que durante el velatorio de Batman se reúnen varias figuras importantes en la vida de Bruce Wayne, cada uno contando su relación particular con el héroe y como este término muerto. En la portada vemos como varios personajes, incluidos sus más acérrimos rivales, se acercan para acompañar en los últimos momentos al protector de ciudad gótica que rodea con su capa a quienes lo acompañan en su último suspiro.

Batman # 1 (1941) – Arte por Jerry Robinson y Bob Kane

No podía faltar en el primer número de Batman en el que se presenta el origen del superhéroe, con la muerte de los padres de Bruce Wayne, su conversión el hombre murciélago, su unión con Robín y sus múltiples enfrentamientos con su más acérrimo rival The Joker. En portada una imagen característica del la iconografía pulp con los dos miembros del dúo dinámico descolgándose en pos de una nueva aventura.

Batman # 291 (1977) – Arte por Jim Aparo 

Batman está muerto, que hacen todos los súper villanos del universo Batman reunidos frente a su tumba, preguntarse ¿Dónde estabas tú la noche en que fue asesinado Batman?. Esta es la premisa de este comic que inspiro a Neil Gaiman y que nos regala una de las portadas más sugestivas de la historia de DC  en la vemos a una imagen cargada de iconografía comiquera en la que todos los súper villanos quieren llevarse el crédito de la muerte de su más grade enemigo, toda una delicia para los amantes del noveno arte. 

Batman # 497 (1993) – Arte por Kelley Jones

Bane parte en dos a Batman, se puede pedir a caso más en una portada para vender un comic? La verdad lo dudo, una imagen que a esta altura se ha convertido en un momento icónico, no solo de la historia de Batman si no del comic en general al ver la caída de uno de los héroes más arraigados en la cultura popular y como este debe ceder su lugar a una nueva generación mucho más violenta y desquiciada no tiene precio.

A Death on the Family (1988) – Arte por Jim Aparo

Si la portada anterior era un momento icónico, la muerte de Robín no podría quedarse atrás, quizá el momento más dramático de toda la colección en el que el segundo joven maravilla Jason Todd muere a manos del Joker dejando devastando a Batman como nunca había sido relatado, tanto así que el puesto de aliado murciélago fue relegado a un segundo plano durante muchos años en espera de que las heridas del personaje y los lectores sanar y pudiesen dar cabida a un nuevo Robin que jamás alcanzaría a llenar los zapatos de uno de los mejores personajes jamás creados. 

Adiós a los Muertos Vivientes

Hace solo un par de días que termino la cuarta temporada de The Walking Dead con A, season finale que prometía mucho al tener una segunda mitad de temporada en la que el grupo de sobrevivientes se encontraba dividido en pequeños grupos disgregados tras la caída de la prisión durante la batalla con El Gobernador. Por una parte teníamos el grupo conformado por Rick, Carl y Michonne que poco a poco crearon un grupo familiar solido en el que pudimos ver a una Michonne mucho más humana alejándose cada día más de la maquina antizombies que conocimos inicialmente y que construyo una relación especial con el joven Grimes, personaje al que destaco su crecimiento, tanto en su trama como en la actuación de Chandler Riggs que ha mejorado un montón dejando a Rick en sus acostumbrados devaneos cercanos a la locura que  no ofrecen demasiado realmente. En otro sector teníamos a Glenn y Tara en una combinación entre enemigos que dio gran resultado sobre todo al principio con el escape de la prisión y su posterior encuentro con una de las sorpresas de la temporada, la incursión de Abraham, Rosita y Eugene, personajes del comic que de seguro darán mucho jugo en la quinta temporada pero que en el poco tiempo que tuvieron al aire apenas les permitió delinear un poco sus personalidades.

Siguiendo con este recorrido nos topamos con Carol, Tyresse, Mika y Lizzie que a mí en particular me parecieron el grupo más descafeinado de esta segunda parte de la cuarta temporada, es que Carol es un personaje insoportable y sus coequiperos no es que ofrezcan mucho la verdad, de no ser por el momento de shock que fue ver la caída de las pequeñas en condiciones surrealistas hubiera sido una total pérdida de tiempo acompañarles en su travesía. Mejor suerte corrieron Daryl y Beth que lograron despertar gran interés sobre todo por lo que hábilmente los productores trataron de insinuar, y fue esa “relación” más allá de la amistad que empezaba a surgir entre ambos la cual creí que explotaría en ese capítulo en que deciden embriagarse con alcohol casero, pero nada más alejado de la realidad, al tener en pantalla la caída del macho por excelencia de la serie con un Daryl llorando por su dura vida pasada para finalmente quedarse solo tras la desaparición de Beth lo que lo llevara a unirse a un grupo de gañanes del camino a cual más insoportables. Finalmente tenemos a la siempre bella Maggie, que junto con Sasha y Bob mantuvieron la pantalla con una buena dosis de tripas al toparse con hordas y hordas de zombies en cada una de sus apariciones, destaco especialmente la forma en que Maggie utiliza una señal de transito para cargarse un zombie y partirlo en dos, momento maravilloso sin duda. 

Toda esta división solo tenía un propósito y era acompañarles mientras se dirigían a Terminus una especie de santuario que ofrecía refugio a quien lo necesitase. La oferta por supuesto era demasiado tentadora como para pasarla por alto, así cada uno de los subgrupos fue tomando rumbo a lo que parecía una nueva oportunidad para arrancar de cero. Los primeros en llegar son el grupo de Gleen que ya se había encontrado con los comandados por Maggie, encontrándose con un lugar desolado en el que son recibidos por una amable mujer a la cual se le ve muy tranquila asando unas hamburguesas. Con esta idea llegamos a la season finale comandada por Rick y los suyos que están a portas de tocar Terminus, pero antes tienen que resolver un asunto pendiente, y este es quizás uno de los momentos más salvajes de toda la serie, la llegada en medio de la noche del grupo de hombres a los que Daryl se había unido y cuyo objetivo era liquidar a Rick desatando una tensa escena que se resuelve en un momento que quedara graba a fuego en mi memoria con un Rick fuera de sí mordiendo el cuello de uno de sus captores y terminado con una de las máximas de I Am A Hero que no es otra que apuñalaros sin vacilar.

Tras este interludio por fin vemos como Rick, Carl, Michonne y Daryl llegan a Terminus, como viejos zorros no creen que todo sea tan bueno como parece entrando por un costado del refugio tomando por sorpresa a sus habitantes que parecen ser un grupo pacifico que les recibe con los brazos abiertos. Por un momento parece que todo llegara a un final feliz, pero no, Rick se da cuenta que algunos habitantes del lugar tiene prendas que pertenecían a sus viejos amigos, descubriendo la estafa que resulta ser Terminus ofreciéndonos uno de las escenas de disparos más irrisorias de la historia de la televisión y solo comparable con las cero bajas que solían presentarse en The A-Team en la que volaban miles de balas pero no le atinaban a nadie ni aunque estuviesen a un metro de distancia. De este desinterés por pasarlos a mejor vida se da cuenta Daryl que menciona que les disparan a los pies, lo que significa que los quieren vivos, momento en el cual son capturados por los francotiradores del refugio que los obligan a subir a un vagón de tren abandonado donde se encontraran con el grupo encabezado por Gleen, dejándonos con la frase final de Rick que muy de acuerdo a su nuevo estado de invalidez mental cierra el capítulo con .. se van a sentir muy estúpidos cuando averigüen que están jodiendo a la gente equivocada.

Justo ahí baja el telón de una temporada más que a grandes rasgos me deja muy satisfecho y con un renovado interés en la serie a la espera de lo que está por venir, yo me la juego desde ya con la aparición del grupo que en el comic es conocido como los cazadores, los cuales tienen un delicado gusto por la carne humana. Esta sería para mí la razón por la que se deja tantos guiños carnívoros a lo largo del último capítulo: la parrillada, el dispararles a los pies, algunos restos humanos que pasaban rápido en escena y lo más importante el ataque de Rick que lo pone un paso más adelante en la cadena alimenticia, los cuales no tienen otra razón de ser más que darnos pistas sobre lo que representa la gente de Terminus que no es otra que un despiadado grupo de caníbales. Espero que mi percepción sea acertada y tengamos caníbales para rato, a los que les ruego encarecidamente que decidan hacer un buen estofado con Carol que aunque no sabemos su ubicación muy seguramente caerá en las garras de la gente de Terminus los cuales si todo sale bien, libran a la serie del peso muerto que la buena señora representa.