Fumando con Los Picapiedras

                               

Increíble comercial para la primera temporada de los Picapiedras en ABC que era patrocinada por Winston Cigarettes y que visto al día de hoy resulta sumamente provocador.

Automan

Corría el año de 1983 cuando la ABC decidió incursionar de nuevo en el terreno de la ciencia ficción,  para ello contrata al productor Glen A. Larson quien había creado series tan emblemáticas como Battlestar Galactica y Knigth Rider para que se encargara de la producción de una serie que llevara de nuevo a la cadena a puntear las audiencias. Bajo esta premisa Larson crea Automan serie protagonizada por Desi Arnaz Jr  en el papel del oficial Walter Nebicher quien tras una serie de incidentes desafortunados es sacado de las calles y confinado a la sala de computadores, allí combatirá a su manera creando un programa de lucha contra el crimen organizado basado en un holograma que tras un accidente con la corriente eléctrica genera una entidad palpable que tendrá el nombre de Automan,  un ser con apariencia humana pero cuyo cuerpo asemeja un panel brillante repleto de circuitos que bebe claramente de la estética generada en Tron el cual sería  interpretado por Chuck Wagner y que será el compañero de aventuras del oficial Nebicher bajo el alias de Otto J. Man.

La serie se asienta en la relación de los protagonistas y en la resolución de casos episodio tras episodio, con un leve tono de comedia que le da un espíritu desenfado a la serie, pero es Cursor un poliedro brillante que acompaña a Automan quien se roba el show gracias a su increíble capacidad de generar objetos de la nada; así es como podemos disfrutar de autos, tanques, jets o helicópteros con estética retrofuturista que hacían las delicias de los televidentes al presentar el mundo del mañana a través de las creaciones de Cursor que se convertirían en la marca de la casa del producto televisivo. Pero como ocurre generalmente con este tipo de obras el público no la acompaña y la serie fue cancelada tras 13 episodios que fueron retransmitidos hasta la saciedad a finales de los 80’s convirtiendo el show en un fenómeno televisivo más allá de las fronteras de los Estados Unidos permeando la mente de millones de niños que como yo nos quedábamos boquiabiertos ante las maravillas que podía realizar Automan, que como bien se menciona en la serie, en escala de uno a diez, es un once.

                                                 

Parque Temático Ovni

Husmeando en los archivos de la revista Semana me encuentro con el proyecto que tenía el municipio de Tenjo (Colombia) de construir un parque de atracciones en la peña de Juaica  inspirado en el fenómeno ovni, aprovechando el tirón que tenia la localidad gracias a la gran cantidad de avistamientos de extrañas luces que se venían presentando desde hace más de una década. El proyecto tenía como fecha de inicio el año de 2007 y se extendería hasta el 2011, año en el cual sería entregada la obra que contaría con una inversión de 700 millones de pesos los cuales serian destinados para la construcción de un sendero que permitiera a los ufólogos y curiosos disfrutar con mayor comodidad  de los avistamientos además de la adecuación de un observatorio astronómico indígena que sirviera como centro de estudios para futuras investigaciones, pero es sin duda la construcción a escala real de un ovni en medio de la espesura del lugar lo que resulta más interesante y descabellado de tan curiosa iniciativa.

La idea era tomar como referente los platillos volantes de las películas de los 50´s en el que los visitantes del parque podrían tener una experiencia completa que les permitiera comprender las dificultades de los viajes espaciales, además de ser participes de uno de ellos, todo esto en la comodidad de unas sillas ajustadas a modo de piloto que gracias a la magia de la televisión y los efectos especiales introducirían al espectador en la vida espacial. Lastimosamente el proyecto se nublo por completo y pese a que he indagado en diferentes fuentes, no he hallado rastro alguno del mencionado parque, al parecer el asunto se quedo en un hecho meramente anecdótico y seria más una jugada política del entonces alcalde Javier García que buscaba desesperadamente  la reelección y que no se le ocurrió una mejor idea que contar con sus amigos espaciales para ganar el beneplácito de los obnubilados electores.  

Momentos POP – Blue Demon y Julito

Blue Demon ¿Cómo te has portado en la escuela?.
Julito No te hagas…tú lo sabes mejor que yo. 
Blue Demon Lo sé, pero quiero oírtelo decir. 
Julito Tú me has dicho que nunca debo presumir, ni siquiera dejas que le diga a mis amigos que tú eres el mejor luchador del mundo. 
Blue Demon Por que no es cierto, hay otros tan buenos o mejores que yo. 
Julito Para mi tu eres el mejor de todos, el mero campeón….sabes una cosa nadie quiere creer que eres mi papá. 
Blue Demon Es cierto, no lo soy, pero es lo de menos… tu sabes que te quiero como si fueras mi propio hijo. 
Julito Pero tú me adoptaste verdad, pues entonces tú eres mi papá.
Blue Demon No sabía que estuvieras tan versado en leyes. 
Julito Se lo pregunte al director de la escuela y él me dijo que legalmente eres mi papá y al que no lo crea le meto una quebradora.

Inolvidable momento de Las Momias de Guanajuato (1971)

Poster del Domingo – Mad Max

Llega nuevamente una nueva entrega de poster del domingo estas ves una película de culto, Mad Max (1979) dirigida por George Miller y protagonizada por un desconocido Mel Gibson que daría el salto al estrellato gracias a esta obra que nos presenta un futuro preapocaliptico en el que la sociedad se encuentra sumergida en un estado de desorden, que gracias a la falta de combustible, ha convertido las carreteras en un verdadero camino a la perdición. Es aquí cuando entran en operación las Main Force Patrol  grupo del que forma parte Max Rockatansky  cuya misión no es más que velar por la seguridad de las carreteras enfrentándose  a las pandillas que azotan los caminos en busca de incautos a los cuales asaltar; es esta idea la que nos vende el poster original  al mostrarnos a un Gibson dispuesto a disparar su escopeta recortada a cualquiera que ose perturbar la tranquilidad de su zona de vigilancia.

Esta idea de vigilante del camino es llevada al extremo en el segundo poster promocional que se enfoca más en la idea de un justiciero, con un Max ataviado con un uniforme de cuero y un casco que lo abstraen de toda humanidad y que lo  presentan ya como un ser lleno de violencia. Cabe resaltar también la inserción casi suspicaz de un motociclista arrollado por el Intecerptor que si no te fijas bien podría pasar desapercibido pero que al tenerlo presente refuerza aun más la idea de violencia desatada que nos vende la película.

La venganza es el tema central del poster italiano que continúa con la idea del justiciero del camino, pero que esta vez da mayor importancia al Interceptor, auto modificado que serviría como instrumento de la venganza de Max y que se convierte casi en un personaje más al ser motor que impulsa al protagonista para acabar con la pandilla de motociclistas que ha destruido su familia.

Finalmente nos encontramos con el poster japonés que resulta un popurrí de las imágenes anteriores tomando los elementos más significativos del fin como es la imagen icónica de Mad Max con su escopeta recortada en una pose desafiante, su inseparable compañero el Interceptor y finalmente la pandilla de motociclistas comanda por el villano Toecutter en un poster que demuestra una vez más el buen tino que tienen los japonés a la hora de realizar una imagen promocional.  

La Tierra Multicolor - Julian May

En el año de 2034 la tierra ha alcanzado un gran desarrollo tecnológico y casi se ha convertido en una sociedad utópica que disfruta con el contacto con razas alienígenas, más aun si estos intercambios sirven para potencializar el poder psíquico que tienen algunos humanos, muchos de los cuales se siente incómodos con sus recién descubiertas habilidades que sumados a las personas que desprecian la perfección de este futuro conforman un grupo de inadaptados que buscan huir a cualquier costo.  La situación de este singular grupo cambia radicalmente al encontrar una escapatoria, se trata de un portal descubierto por un científico francés que los llevara al Pleistoceno de la tierra en un viaje solo de ida que presenta un alto riesgo al no saber con que se puedan enfrentar en el inhóspito pasado terrestre. 

Pasan varios años  y el portal de convierte en una especie de mito del que solo pocas personas saben, es así como poco a poco vamos conociendo a los protagonistas de esta obra coral en la que un capitán de astronave, una atleta, un paleontólogo y una sacerdotisa se empecinan en hallar el portal que los lleve a escapar de la perfección tecnológica que invade la humanidad, siendo esto el menor de sus problemas pues al poder hallarle y lograr viajar se darán cuenta que todo lo que creían sobre el pasado de la humanidad esta errado al encontrarse con un lugar dominado por una raza extraterrestre que esclaviza a los humanos al utilizarlos como conejillos de indias para sus experimentos genéticos, serán entonces nuestros protagonistas los que traigan la revolución desde el futuro en una obra terriblemente apasionante que no te deja respiro alguno y que cuenta con tres continuaciones más El Torque de Oro, El Rey Nonato Y El Adversario que engloban una historia que pese a ser poco conocida desborda calidad.

Uri Geller Doblando Cucharas

                                 

Uri Geller es ilusionista, militar, ufólogo, escritor, télepata, modelo y probador de helados profesional, todo un héroe de la subcultura pop.

Colección de Tarjetas de Mars Attacks

En 1962 la compañía Topps lanzo una serie de cromos que acompañaban sus productos, tomando la idea de las trading Cars que se encontraban en furor por aquel entonces y cuyos mayores exponentes eran las colecciones de jugadores de beisbol y de armamento militar.  La idea de Topps era virar el mercado hacia un terreno inexplorado y como las sci-fi movies reinaban en esta época deciden tomar el modelo de la compañía E.C Comics que se especializaba en cómics de terror y ciencia ficción y traspasarlo a los cromos en una serie de tarjetas que le fueron encargadas al artista pulp Norman Saunders quien realizo un hermoso trabajo al retratarnos de la manera más elocuente una invasiones de marcianos sin prejuicios que deciden acabar con la tierra.

La serie se conoció como Mars Attacks y consta en su versión original de 55 tarjetas en las que se va relatando paso a paso el plan de los marcianos para conquistar la tierra. Las tarjetas inician con una secuencia en la que se nos narra la primera avanzada marciana comandada por platillos voladores, que se divierten destruyendo las instalaciones militares y acabando con las  grandes ciudades del planeta en las que los humanos son víctimas de sendos rayos mortales. La serie continua con el desembarco de las tropas marcianas que vienen acompañadas de insectos gigantes y robots asesinos, en donde Sauders no se contienen con el nivel de sangre al reproducir escenas cercanas al gore, que sirven de entrada para la parte final en la que  somos testigos de la contraofensiva humana que inicia con una detonación atómica en el propio Marte y que nos conduce a  la subsecuente invasión a la capitán marciana que finalmente es destruida para así apuntarse una victoria más a favor de los humanos.

Lastimosamente la serie fue sacada rápidamente del mercado al encontrar fuerte oposición por parte de los padres de los niños seguidores de las tarjetas bajo la acusación de ser una serie que alienaba la mente de los pequeños y que invitaba a la violencia; pero que puede ser mejor para un niño que un grupo de imágenes repleta de iconografía pulp con extraterrestres, platillo voladores, monstruos del espacio exterior y lindas señoritas en technicolor, por supuesto nada, pero la adultez conservadora no tiene límites. Sin embargo y pese a su cancelación,  la serie se convertiría  poco tiempo después en un objeto de culto que al día de hoy puede costarle varios miles de dólares a quien quiera poseerla, más aun después del renovado interés que se genero a partir de la película que Tim Burton realizo en 1996, la cual se basa libremente en la colección y que aunque es una buena película  no alcanza el maravilloso impacto que acompaña a la obra original.

Ruby VS Oswald

El 24 de noviembre de 1963, Jack Ruby, un delincuente de quinta categoría que regenta varios clubs de striptease en la ciudad de Dallas traspasa sin ningún problema el estricto cerco de seguridad creado para la protección de Lee Harvey Oswald, disparándole con un Colt Cobra a quemarropa ante la  presencia de varios agentes federales los cuales se notan más que tranquilos ante la situación, solo Oswald parece reaccionar–como no- ante los impactos que horas después le costarían la vida, hecho que posteriormente daría paso a cientos de teorías conspiranoicas en las que se acusa desde las altas esferas del poder norteamericano, la mafia de Chicago, la KGB  hasta organizaciones masónicas de orquestar el asesinato de Oswald el cual sería una pieza más dentro del engranaje de la conspiración para asesinar a Kennedy en uno de los momentos más fascinantes de la subcultura pop mundial.

Poster Del Domingo – Bruce Lee

Aprovechando que por estos días se cumplen 40 años de la muerte del inigualable Bruce Lee, quiero dar un pequeño repaso por la iconografía de sus películas más conocidas. Iniciamos con el poster de The Big Boss (1971) primera película que realizo con la compañía productora Golden Harvest y que supuso un gran éxito para su carrera, cimentando su camino al estrellato gracias a la sorprendente técnica y a su característico histrionismo remarcados a lo largo del metraje que nos narra la historia de Cheng Chao-An un trabajador de una fábrica de hielos que junto a sus primos descubre que en realidad el lugar es una fachada para el tráfico de drogas, tras este descubrimiento la familia de Cheng será liquidada sistemáticamente para evitar que sea revelada la verdad, es en este momento cuando se da inicio a una espectacular venganza en la que nos encontramos a un Bruce Lee en plena forma, como lo demuestra el poster original que se centra en la imagen del pequeño dragón en uno de sus movimientos característicos, dejando como simples segundarios a los demás protagonistas.

Su siguiente producción es Fist of Fury (1972) de nuevo un trabajo con la Golden Harvest quienes tras el éxito de The Big Boss aportan un mayor presupuesto y dejan a cargo de la parte creativa a Bruce Lee quien se encarga de coreografiar todas las escenas de lucha, esto hace que en comparación con su película anterior las escenas se centren más en potenciar los movimientos de artes marciales que en la violencia gratuita característica de su predecesora, sin embargo la película resulta un producto inferior al contar con una historia poco apasionante que se basa en el cliché oriental del duelo entre escuelas de artes marciales, sirviendo de simple excusa  para el lucimiento de Bruce Lee como lo podemos ver en el poster de presentación que es casi una copia de su película anterior al centrarse en la figura de la estrella marcial.

Ese mismo año rueda Way of the Dragon película en la que no solo se encarga de coreografiar las escenas de lucha, sino que es el encargado de escribir el guión y dirigir la película, en un movimiento inesperado por parte de la Golden Harvest al poner todo en manos de su estrella con el que venía teniendo serios problemas gracias sus constantes exigencias. Por fortuna esta confianza fue recompensa al regalarnos una de las mejores películas de artes marciales de la historia y que muy a mi pesar esta subvalorada frente a otros productos que cuenta con una mayor exposición. La historia no narra el enfrentamiento de Tang Lung, un campesino chino que viaja a Roma para ayudar en la atención de un restaurante, con la mafia chino-romana que intentan controlar el local revelándose como un maestro de las artes marciales que en las primeras escaramuzas de los mafiosas logra sendas victorias, es así como los criminales deciden contratar a un asesino llamado Colt interpretado por Chuk Norris quien reta al personaje de Tang a un duelo final en el coliseo romano, regalándonos un momento inolvidable dentro de la subcultura pop  que se conoció como la pela del siglo y que hábilmente fue aprovechada por los diseñadores del poster al remarcar el duelo entre ambos titanes de las artes marciales.

Finalmente llegamos a su película más conocida, la genial Enter the Dragon (1973) estrenada una semana después de su muerte convirtiéndose en un éxito sin precedentes en la historia del cine de Hong Kong transformando a Bruce Lee en una figura de culto que desataría un furor por las películas de artes marciales. En Enter the Dragon nos encontramos con una historia sin igual en la que la seremos testigos de un torneo de artes marciales donde se enfrentaran los mejores peleadores del mundo, este torneo se realiza en una isla controlada por Han, criminal internacional que está en la mira de la justicia, es por eso que Lee es enviado a combatir en el torneo con la idea de develar los secretos que se encuentran en el interior de la isla, allí se encontrara con Roper interpretado por el actor norteamericano John Saxon  y con William personaje a cargo del Jim Kelly figura icónica del blacksploitation con los que saboteara el torneo para desatar al final una  épica batalla campal que  acabara con los planes del criminal  y que cuenta como momento estelar la espectacular batalla entre Bruce Lee y Han  en uno de los mejores momentos de su filmografía que será retratado en gran cantidad de poster como gancho para la película siendo esta la que cuenta con un mayor número de piezas promocionales, yo particularmente siento una fuerte debilidad por su versión norteamericana a la que considero una obra de arte.

House: una casa alucinante

La década de los 80’s es sin duda una de las más prolíficas en cuanto a cine fantástico se refiriere, en ella encontramos gran cantidad de obras que podrían calificarse de culto, una de estas es House (1986) película dirigida por Steve Miner que logra de manera magistral combinar la comedia con el horror. William Kat, recordado por su trabajo en la serie de televisión  El Gran Héroe Americano, es el protagonista de esta historia interpretando el papel de Roger Cobb uno escritor que regresa a la casa donde misteriosamente desapareció su hijo, allí intentara escribir su nueva novela con la que pretende exorcizar sus fantasmas internos, pero la “casa” no se lo pondrá fácil al estropear los planes de Roger con una serie de fenómenos inexplicables que harán tambalear la frágil mente de nuestro protagonista.

A partir de allí la película nos lleva por un camino de descubrimiento en el que Roger poco a poco va develando los secretos que la casa guarda en su interior al igual que el verdadero paradero de su hijo, convirtiendo su estadía en la casa en una lucha continúa por rescatarle, regalándonos varios momentos épicos que se quedan grabados en la memoria como el enfrentamiento con la vecina o el viaje al interior de la casa, todo esto acompañado con unos efectos especiales que destacan de inmediato por su vasta utilización de látex además de una banda sonora impecable a cargo de Harry Manfredini quien logra interpretar muy bien los múltiples contrastes que posee la obra de Steve Miner, creando en conjunto un producto sumamente disfrutable.

Cabe mencionar que tras el éxito de la película se rodaron varias secuelas: House II: The Second Story (1987), House III: The Horror Show (1989) y House IV: The Repossession  (1992) todas ellas obras menores que no logran alcanzar la contundencia de la película original pero que en un afán de completismo podrían hasta resultar entretenidas, yo por mi parte espero continuar revisionando la saga para ver que otras sorpresas me puedo encontrar al interior de esta casa misteriosa.

I Am A Hero

Uno de los mangas más atrapantes publicados en los últimos años es I Am A Hero creación del mangaka Kengo Hanazawa, una obra que despista en su primer tomo al enfocarse casi en un Slice of Life en el que nos narran las desventuras de Hideo Suzuki un aspirante a mangaka de 35 años que al ver como no logra publicar su obra se ve abrumado por un futuro poco prometedor, en una historia que recuerda poderosamente a Bukuman, pero que hábilmente el autor maneja a su antojo dejando pequeñas pistas en el entorno del protagonista que nos van indicando el tono que tomara la historia. Estas pistas (periódicos, noticieros o simples comentarios) son definitivas a la hora de adentrarnos en la apasionante trama de I Am A Hero que explota justo al final del primer tomo cuando nos encontramos con el primer zombie.

La historia entonces toma un giro radical al posicionarnos de frente con una epidemia zombie que crece a pasos agigantados en la que nuestro protagonista tendrá que arreglárselas como pueda para poder sobrevivir, en uno de los aspectos que más resalta de la obra, y es que Hideo es un personaje que carece de las habilidades necesarias para enfrentarse a esta situación, a primera vista una apostaría porque será uno de los primeros en caer debido a su inocencia frente a lo que está sucediendo -que por momentos resulta casi perturbadora-, pero su largo camino lo ayudara a crecer convirtiéndose poco a poco en una especie de anti héroe con el que es imposible no identificarnos al presentar un personaje común y corriente con miedos e inseguridades que lo hacen más cercano al lector a diferencia de otras obras donde los protagonistas rápidamente se convierten en expertos en el tema y en avezadas máquinas de matar.

Otro punto a resaltar es la manera como Hanzawa introduce esta especie de zombies atípicos, pues no son los clásicos zombies romerianos ni tampoco son los infectados de Dany Boyle, en una creación muy particular, una extensión bizarra y retorcida del mito zombie que nos presenta unos seres que al ser mordidos por un infectado sufren una mutación extremadamente dolorosa que los llevara a desarrollar una necesidad constante de sangre humana además de  poseer un excelso gusto por la violencia que sumado a su fuerza extrema permitirán al autor deleitar al lector con más de un festín de tripas que acompañados de un espectacular dibujo y una historia que crece a cada momento dan como resultado una obra de especial atención para aquellos que disfrutamos del querido noveno arte.

Maniac Mansion

Corría el año de 1987 cuando Lucas Film Games crea una de las aventuras gráficas más geniales de la historia de los videojuegos, Maniac Mansion, todo un deleite en cuanto a su jugabilidad gracias a la introducción del sistema SCUMM (Script Creation Utility for Maniac Mansion) que supuso toda una revolución al aumentar la fluidez de las partidas que ganaban en emoción al contar con una interface mucho más intuitiva en comparación con sus predecesores, sumado esto a la posibilidad de escoger entre varios personajes cada uno con habilidades y debilidades diferentes que al final del juego nos conducían a una serie de finales que se iban revelando dependiendo que personajes lograba sobrevivir al terminar el juego.

La historia es hija de su época, el Dr Fred y su familia son víctimas de una extraña mutación que los convierte en zombies, por supuesto sus ansias de comer cerebros se encuentra a la orden del día y nada mejor que una maquina extrae cerebros para calmarla, para probarla deciden secuestrar a la líder de las porrista, pero no contaban con que Dave el novio de la damisela en problemas hará lo imposible por rescatarla acompañado de dos de sus amigo que se inspiran en los estereotipos culturales de los adolescentes de la época.

Contamos entonces con seis diferentes opciones para acompañar a Dave en la difícil misión de adentrarse en la mansión del Dr. Fred y rescatar Sandy: Bernard Bernoulli presidente del club de física que resulta ser la mejor elección para acompañar a Dave al poseer dos habilidades distintas, Razor y Syd dos músicos que cumplen la misma función sin ninguna diferencia significativa en cuanto a sus habilidades, es más solo una cuestión de gusto personar el decantarse por uno de los dos, Wendy Wells linda señorita pixeleda que aporta cerebro a la trama, Michael Stoppe fotógrafo de profesión que cuenta con la mejor música de acompañamiento de todo el juego y finalmente Jeff Woodie surfista con una de las habilidades más limitantes y por ende uno de los menos queridos del juego son los seis paladines que acompañan en a nuestro protagonista en una de las aventuras gráficas más delirantes de la historia de los videojuegos repleta de una gran cantidad de guiños al cine fantástico y de terror de la época que le dan un toque especial al juego que gracias a su historia y características innovadoras logro convertirse en un juego de culto.

Poster Del Domingo - Big Trouble in Little China

Una de las películas que marco mi infancia y estoy seguro que la de muchos es esa obra maestra que John Carpenter nos regalo en 1986 con el tentador titulo de Big Trouble in Little China  en la que Carpenter contaba por primera vez como el apoyo de una de las grandes productoras de Hollywood y con la para nada despreciable cifra de $25.000.000 millones de dólares de presupuesto que sirvieron para lograr el mayor delirio visual que la carrera de Carpenter nos haya podido ofrecer: guerreros místicos, monstruos, hechiceros medievales, lindas señoritas y un anti héroe inolvidable encarnado por un genial Kurt Russell son la base fundamental para uno de esas películas que son imposibles de olvidar, muestra de ello son la gran cantidad de posters que se hicieron sobre ella, iniciando con el clásico que privilegia la imagen de Kurt Russell en su papel de Jack Burton relegando a un segundo plano todo el componente fantástico de la película, incluso la maciza Kim Kattrall se destaca más que por ejemplo el villano de la película Lo Pan que se encuentra casi invisible en un costado de la imagen.

La misma línea toma el poster francés que se decanta por Jack Burton, incluso promocionando la película como una “cruzada del héroe” con el maravilloso titulo Les Aventures de Jack Burton Dans les Griffes du Mandarin, introduciendo de manera descarada el personaje del Mandarín en una jugada promocional digna de recordar, sin embargo a diferencia del poster norteamericano, esta vez el componente fantástico tienen un lugar preponderante con Lo Pan a.k.a Mandarin en el centro de la imagen con cara de pocos amigos desplegando sus “rayos malignos” en un de los posters más interesantes creados para la película 

Pero sin duda es el poster japonés el que le hace justicia a todo el imaginario de la película, como es costumbre allende los mares saben vender una película de la mejor manera así es como este poster nos exhibe lo mejor de la película, el trió protagonista en el centro de la imagen -con una Kim Kattrall agarrando el brazo del héroe representando la típica doncella en problemas características de la iconografía Pulp-  y el peligro alrededor: Lo Pan, las tres tormentas, los Wing Kong y un elemento que me llama particularmente la atención que son los dos personajes en blanco y negro que aparecen frente al rostro de Wang Chi y que si mi memoria no me falla no aparecen en la película, de hecho el sujeto que está detenido en el aire me recuerda poderosamente al actor Shih Kien recordado por ser el villano de la genial Enter the Dragon (1973) y que sin duda alguna no aparece en la película, convirtiendo su inclusión en el poster en un recurso estilístico que me parece sumamente encantador.

La Mirada de Meiko Kaji

Meiko Kaji nace en 1947 en la ciudad de Tokio, comenzando su carrera cinematográfica a mediados de los años 60 con la conocida compañía productora Nikkkatsu, con pequeños papeles en los que aparecía como segundaria de las estrellas de la compañía, su gran oportunidad llega en 1970 cuando fue elegida como una de las protagonistas de la saga de Stray Cat Rock, que inicia con Stray Cat Rock: Female Boss la cual se erige como una de las pioneras del genero Sukeban que se centra en el imaginario de grupos de jóvenes delincuentes femeninas y que en esta obra nos presenta a  Meiko Kaji como la líder de una “pandilla”, construyendo alrededor de si, una aura de mujer fatal que ira acrecentando durante la saga llegando al paroxismo en la imprescindible Stray Cat Rock: Sex Hunter (1971).

                  

En 1972 Meiko abandona Nikkkatsu, que tras una crisis economía decide orientar sus películas hacia el porno suave y el erotismo (aunque sin abandonar del todo sus acostumbrados baños de sangre), firmando con la todo poderosa Toei, con los que protagoniza Female Prisoner #701: Scorpion  en la que interpreta a Nami Matsushima una mujer engañada por un policía corrupto, violada por yakuzas y encerrada en una prisión femenina donde será objeto de todo tipo de torturas y humillaciones por parte de sus guardianes y compañeras. Pero más allá de esto, es la fría mirada de la protagonista la que imprime un toque sublime a la película, pues es con esta y el mismo silencio que lleva a cabo su venganza, escena final que convertiría en celebre el traje de gabardina y sombrero que Meiko porta en ella. Este papel lo repetiría en tres oportunidades más en Female Convict Scorpion: Jailhouse 41, Female Convict Scorpion: Beast Stable y finalmente en Female Convict Scorpion: Grudge Song, serie de películas rodadas entre 1972 y 1973 que son un claro ejemplo del exploitation nipón, en una saga que no tiene desperdició alguno.

                 

En 1973 encarna a Yuki en la impresionante Lady Snowblood, adaptación del popular manga de Kazuo Koike y Kazuo Kamimura que nos relata una de las historias más violentas de era Meiji. Huérfana desde el mismo momento de su nacimiento y cuya existencia solo tiene una razón de ser, la venganza para con aquellos que destruyeron su familia. Meiko Kaji representa en esta película el epitome de la venganza, una mujer con un gélida mirada, parte odio y parte tristeza que no conserva en su ser un mínimo de piedad, llevando su venganza hasta límites insospechados, convirtiendo el personaje de Yuki en todo un icono de la serie B japonesa en una de las mejores películas que haya podido ver. Lastima la idea de la Toei de seguir explotando el personaje de Meiko al realizar la innecesaria Lady Snowblood 2: Love Song of Vengeance (1974) que desvirtúa por completo el perfecto final de la primera parte y que deja sin pies ni cabeza al personaje de Yuki quien era movida en la película original por su incesante sed de venganza y que esta vez carece de tal sentimiento, en una película que como obra independiente resulta por lo menos interesante de ver, pero que comparada con la original se queda escalones abajo ante la magnificencia de la obra original.

               

Tras el personaje de Yuki, Meiko continua con una carrera más o menos exitosa, se destacan su participación en la genial Yakuza Graveyard  (1976) acompañando a Tetsuya Watari en una película de policía duro e insobornable que se enfrenta con mano firme al crimen organizado y en la infumable The Love Suicides at Sonezaki (1978), con las que gano el premio Blue Ribbon y el Hochii Fil Award por su actuación, muy alejada de sus anteriores “heroínas salvajes” en un intento por apartarse del nicho de la Serie B y focalizar su carrera en papeles de talante más serio, pero que al final terminarían por ser un pseudo canto del cisne al perder el misticismo de icono violento que la caracterizaba.También cabe mencionar su carrera como cantante que compaginaba con su oficio de actriz siendo en repetidas ocasiones la encargada de componer la banda sonora de las películas, esta otra faceta fue recopilada en el maravilloso Zenkyoku Shu (2004) un hermoso disco repleto de canciones terriblemente melancólicas  que se me antoja increíblemente adictivo, en su momento lo escuche de manera casi obsesiva al caer hipnotizado por la variedad de matices que solo acrecentaron más el mito de esa hermosa mujer llamada Meiko Kaji.

Zombi Guía de Supervivencia – Max Brooks

Bajo este prometedor titulo Max Brooks hijo del guionista y comediante Mel Brooks nos vende la idea de que tenemos en nuestras manos el “arma” definitiva para enfrentar un apocalipsis zombie, esta premisas es solo cumplida en parte. Zombi, Guía de Supervivencia es un libro extraño, cuando empecé a leerlo esperaba encontrarme con una obra en clave comedia, quizás los antecedentes familiares del autor me llevaran a pensar eso, cuál sería mi sorpresa cuando me encuentro con todo lo contrario y esto es un estudio juicioso del fenómeno zombie y las múltiples facetas para salir airoso frente a una invasión de muertes vivientes. 

El libro inicia con una explicación del origen de la epidemia zombie, sobre los mitos y realidades de los no muertos en un aparte que podría resultar un poco cansino si realmente nunca te has preguntado sobre cosas como la esperanza de vida de un zombie o sobre sus formas de reproducción, pero si logras sobrevivir este pequeño aparte introductorio podrás disfrutar del verdadero espíritu del libro que son los prácticos consejos que Max Brooks nos ofrece, traspasando las fronteras de la ficción para adentrarnos en un mundo tan palpable que terminas por creer que realmente te estas “entrenado” para repeler un ataque Zombie. Nos encontraremos entonces con consejos tan fundamentales como que arma escoger, en un análisis concienzudo que nos indicara que arma se acomoda a nuestras necesidades -yo por ejemplo me he decantado por el machete arma fácil de cargar e  infalible a la hora de cercenar cabezas de no muertos-, la importancia de fortificar nuestro lugar de refugio de acuerdo a las características del terreno, el mantener siempre una ruta de escape o el equipo que debemos prepar en nuestras mochilas de supervivencia en un largo numero de apartados que detallan puntualmente los múltiples escenarios a los que podríamos enfrentarnos. 

Finalmente Max Brooks nos ofrece una especie de reseña histórica de brotes de zombies registrados a través de pequeños micro relatos partiendo del año 60.000 antes de Cristo en África Central hasta el ataque registrado en las Islas Virginia en 2002 en un cierre que resulta terriblemente inquietante y que funciona a la perfección con la idea que nos vende el autor, que no es otra que estamos a portas de vivir una epidemia zombie que acabara con el mundo como lo conocemos, por ello la importancia de tomar atenta nota a esta guía que si bien como libro no resulta del todo satisfactorio, adoleciendo por momentos de una casi insoportable monotonía, por lo menos no será de gran utilidad como elemento de consulta para salir airoso en un futuro apocalipsis zombie.

                                        

                                   Genial conferencia en la que Max Brooks nos instruye en el difícil arte de sobrevivir a un apocalipsis zombie 

Supaidaman o el trepamuros japonés

Supaidaman es una serie nipona producida en 1978 por la Toei, basada en los cómics de Spiderman editados por Marvel con las que la compañía japonesa tenía un acuerdo para “explotar” la figura del súper héroe casi a su antojo, gracias a esto nace esta particular versión que comparte pocos elementos con el personaje original, de lado dejamos las arañas radioactivas, los siete siniestros y un poder conlleva una gran responsabilidad para adentrarnos en la historia de Takuya Yamashiro un joven motociclista que tras la muerte de su padre, un afamado arqueólogo espacial, decide continuar con la investigación que este estaba realizando, encontrándose con los restos de una nave espacial en la que conoce a Garia último superviviente del planeta Spider que le otorga  los conocidos poderes arácnidos además de un brazalete con los que podrá contralor la nave llamada Marveller  la que puede transformarse en el poderoso robot gigante Leopardon con el cual tendrá que enfrentar al terrible Profesor Monster y su ejército de la cruz de hierro quienes han venido a la tierra para conquistarla.

Con una historia tan provocadora como estas era difícil no alcanzar el éxito, Supaidaman  se convirtió rápidamente en una de las series más vistas en Japón logrando alcanzar la no despreciable cifra de 41 episodios cada uno repleto de momentos mágicos como el descubrimiento de sus poderes por parte del protagonista, las luchas entre el robot gigante Leopardon y el monstruo de turno, los paseos en el Spider Movil, las luchas con los esbirros del ejercito de la cruz de hierro, o los increíbles y descabellados planes del Profesor Monster que quedan en la memoria después de su visionado, convirtiendo a la serie en una de las principales representantes de las series Tokusatsu que se basan esencialmente en la presencia de héroes que luchan contra villanos provenientes del espacio mediante la utilización de robots gigantes que estaban en furor por la época gracias a la series Súper Sentai.

Leopardon Vs. Monstruo Pulpo de Hule 

Mención especial merece la deliciosa música de la serie a cargo de Chuumei Watanabe músico que trabajo en infinidad de series niponas y que para Supaidaman nos regala una variopinta selección en clave Boogaloo que por fortuna fue recopilada en el disco Eccentric Sound of Spiderman,  un álbum que es todo un deleite y que resulta igual de estimulante que la serie en sí y que por supuesto no debería faltar en cualquier colección que se respete.

Aniversario Roswelliano

El día de hoy se cumplen 66 años del reporte del incidente ovni en la ciudad de Roswell  el cual daría pie a la era moderna de la ufología, este suceso se ha convertido en la punta de lanza de los investigadores del fenómeno ovni para presionar al gobierno de los Estados Unidos  exigiéndole  revelar información sobre supuestos contactos con razas extraterrestres que vendrían realizándose desde el año de 1947 momento en el cual se recuperan los restos de una platillo volador y sus ocupantes en un pequeño poblado del estado de Nuevo México, lo que se conocería años después como el caso Roswell. 

Toda la “bola de nieve” comenzó con las declaraciones del granjero local Mac Brazen quien aseguraba haber encontrado una serie de extraños objetos en la cercanías de su rancho, la información llego a oídos del sheriff local (héroe por excelencia en este tipo de situaciones) quien decidió investigar la situación, al encontrarse igual de despistado que el sr Brazen solicita la ayuda de los miembros de la fuerza aérea para que revisen los restos, estos son llevados a una base militar cercana para ser investigados. Al día siguiente la población se despierta con la edición del 8 julio del diario local  Roswell Daily que encabeza su primera página con el sugerente titular “La fuerza aérea recupera un platillo volador estrellado en un rancho en la región de Roswell”, basándose en las declaraciones de teniente Walter Hunt portavoz oficial de la base militar a la que fueron llevados los restos. Por supuesto la noticia da la vuelta al mundo en unas cuantas horas convirtiendo el pequeño poblado en un centro de atención mundial ante la magnitud de la noticia, pero al día siguiente la misma fuerza aérea desmiente las declaraciones del teniente Hunt al calificar el hallazgo de un simple globo meteorológico.

El asunto queda zanjado con un “golpe de escritorio” permaneciendo en el olvido por algún tiempo hasta que en el año de 1955 se nos revela un vídeo de una supuesta autopsia realizada por personal científico y militar a los cuerpos encontrados en la ciudad de Roswell, para mi es este vídeo el verdadero detonante de todo el fanatismo frente a este suceso y es que las imágenes no pueden resultar más provocativas, ver como unos científicos locos con trajes espaciales diseccionan de la manera más vil el pequeño cuerpo de un hombrecito gris tiene que resulta impactante para la sociedad conservadora de la época, y pese a que este fue desvirtuado tiempo después, en el imaginario colectivo quedaran insertas las imágenes de este documento, lo que daría pie a toda la oleada de material especulativo que pulularía años después, desde informes revelados por agentes gubernamentales, pasando por contactados y abducidos hasta nuevas filmaciones en technicolor de la autopsia,  convierten a este suceso en todo un festín para los amantes de las teorías de la conspiración y en un goce visual e informativo para quienes disfrutamos de esta maravilla de la subcultura pop 

Poster Del Domingo - Creature from the Black Lagoon

Los monstruos clásicos son una de mis mayores debilidades por eso para inaugurar esta sección en la que publicare imágenes, ilustraciones, portadas y por supuesto posters que me llamen la atención he escogido uno de mis favoritos, el monstruo de la laguna negra, protagonista indómito de la serie de películas de los años 50´s que inicia con la deliciosa Creature from The Black Lagoon (1954) película dirigida por Jack Arnold que sería la última aportación de la agonizante Universal al cine de monstruos, en un clásico del cine genero que es todo un deleite visual tanto por el monstruo de caucho como por la maciza Julie Adams que como vemos en el genial poster promocional será la damisela en problemas.

Tras el éxito de la primera película la secuela no se hizo esperar y un año más tarde tenemos Revenge of the Creature  de nuevo contando con la dirección de Jack Arnold y que esta vez traslada la acción a un parque acuático en Florida donde es llevado él monstruos tras ser capturada en algún lugar del Amazonas, la verdad es que esta secuela es más floja que la original, se pierde mucho tiempo en todo el asunto de la investigación del monstruo, cuando lo que realmente queremos ver es a nuestro amigo acuático suelto por la ciudad como lo muestra el genial poster que nos vende eso, el caos desatado! y que lastimosamente se queda algo corto en ese aspecto, aunque cabe señal que no deja de lado la típica damisela en problemas al más puro estilo pulp interpretada en esta oportunidad por Lori Nelson.

La última película de esta saga es The Creature Walks Among Us (1956) bajo el mando de John Sherwood quien remplaza al Jack Arnold en la dirección y que lleva la franquicia hacia los terrenos de la ciencia ficción con un guión casi hilarante en el que  un científico loco busca capturar a la criatura para realizar un experimento genético que tiene como resultado  el sensacional “monstruo de la laguna negra con pantalones”, toda una delicia visual de la serie B más “casposa” y que nos regala uno de los posters más sugerente que abandona la iconografía pulp del monstruo que  captura a la damisela indefensa mientras el héroe de turno intenta rescatarla, para adentrarse en la era atómica con un monstruo creado a partir de la especulación científica que busca venganza de la humanidad.

I Kill Giants

Uno de los cómics más entrañables que he leído en los últimos años es I Kill Giants (2008) publicado por la editorial Image y creado por la mente magistral de Joe Kelly con arte del genial Jim Ken Niimura quienes nos presentan una obra personal e inteligente representada en Bárbara Thornson una típica “Outsider” que sufre de constantes vejaciones por parte de sus compañeros de escuela que la ven como la bicho raro del lugar,  Bárbara tendrá entonces que luchar con esta situación que la lleva a aislarse en un aparente mundo de fantasía  que resulta ser su válvula de escape para su difícil situación personal y familiar. 

A medida que avanzamos en la obra vamos acompañando a Bárbara en su entrenamiento para defender el mundo de los titanes, seres mágicos que solo ella puede ver y que fortalecen más su carácter introvertido y solitario, este aspecto gira tangencialmente con la introducción del personaje de Sofía quien se muda a la casa vecina y que poco a poco irá entablando una estrecha amistada con  Bárbara que afectara por completo el rumbo de la historia al introducir a nuestra protagonista en mundo desconocido para ella como son las relaciones sociales, que la seduce y al mismo tiempo atemoriza al sentir que se desvía de su camino principal, que no es otro que matar gigantes. 

Todo es genial mi querida Sofía, todo!

Durante estos momentos de dualidad encontramos lo mejor de la historia, la lucha entre fantasía y realidad afecta por completo la vida de Bárbara quien ve su misión peligrar al dudar si los titanes son reales o son productos de su imaginación lo que la llevara casi a retirarse antes de la “batalla”, por fortuna la ayuda de Sofía resultara fundamental para comprende lo que realmente ocurre a su alrededor, así es como Bárbara finalmente se enfrentara al titán que tanto esperaba, acompañada de su inseparable martillo “Coveleski” -que toma su nombre de un pitcher novato que derroto al equipo de los Gigantes de Nueva York tres veces consecutivas obteniendo el título de “asesino de gigantes” – en uno de los finales más emotivos que haya podido leer y que sin duda te dejara con un nudo en la garganta para una obra que resulta sobresaliente en todos los aspectos.

Bárbara Vs el Titán