La Flor de la Matanza

Una muerte, y en la mañana, la nieve de luto cae

A los oídos de un perro extraviado el sonido trae crujido

Buscando la brisa de la emoción, abrazando la oscuridad sola con su paraguas

La mujer camina el camino de la vida dejando sus lágrimas lejos en la distancia

Gira su cabeza y observa la distancia mientras descansa del viaje

Helada intenta abrigarse, lluvia y viento

Aunque ya no llueva, sus lágrimas no pueden verse. Sola con su paraguas

La mujer camina el camino de la venganza dejando su corazón atrás, en la distancia

Niebla y compasión, lágrimas y sueños, ayer y  hoy, todas palabras irrecuperables

Entonces se entrega al rió de la venganza así como ella misma fue olvidada

Banda Sonora de Lady Snowblood (1974) película protagonizada por Meiko Kaji, diva absoluta de este blog la cual además de regalarnos una magnífica actuación se encarga de interpretar las canciones de una de las bandas sonoras más melancólica jamás grabada.

El Dr. No Es Aburrido

Hace poco mencionaba en el Poster de Domingo sobre chicas bond que mis recuerdos sobre la saga fílmica del espía ingles era a corto plazo, es decir que tengo claro las películas que si filmaron desde que Pierce Brosnan tomo el rol hasta la actualidad, de las demás solo tengo pequeños esbozos en mi mente, la idea me dio vueltas en la cabeza por varios días, llegando a la conclusión de que sería buena idea ponerme en la tarea de ver cada una de las películas de la serie Bond editadas antes de los 90’s por simple gusto cinéfilo. La tarea se me presenta bastante divertida, el plan es tomar la saga en orden cronológico (por aquellos de la evolución del personaje) empezando con Dr. No (1962) y finalizando con Licence To Kill (1985), con este idea en mente me puse con Dr. No, película que en mis recuerdos eran bastante disfrutable, pero tras el nuevo visionado debo recapacitar muy bien sobre mi sistema de almacenamiento cerebral.

Dr. No toma como base la novela homónima escrita por Ian Fleming en 1958, siendo la sexta de la saga literaria, curiosamente se toma esta en la que el personaje esta ya plenamente construido por la mente de Fleming y no Casino Royale (1953) primera aparición literaria del agente Bond en el que podemos ver los primeros rasgos de su característica personalidad. El guio estuvo a cargo de Richard Maibaum quien cambio algunos aspectos de la idea original sin perturbar el grueso de la historia que nos relata como 007 debe viajar a Jamaica para investigar la desaparición de un compañero del MI6 el cual se encontraba tras la pista de las misteriosas operaciones en la isla Crab Key. Al llegar a Jamaica Bond es recibido por un sospechoso conductor que dice venir de parte del gobierno y que tiene como encargo trasladar al agente ingles a su respectivo hotel, por supuesto Bond no se tomo muy enserio esta afirmación, sospechando de inmediato de las intenciones del conductor que a leguas se ve que es uno de los chicos malos. Bond entonces optara por seguirle la corriente propiciando una de las mejores escenas de la película en la que la astucia de 007 es puesta a prueba en un combate sumamente interesante.

Hasta ahí las cosas prometían, 15 minutos y semejante escena, pensaba mientras veía como Sean Connery acaba con el secuaz del villano de turno. Lastimosamente tras estos minutos iníciales la película entra en un casi interminable paseo por la ciudad de Kigston mientras que Bond intenta atar los cabos necesarios para descubrir cual es secreto que se esconde en la isla Crab Key, pero sobretodo quien es su misterioso propietario, un hombre conocido como el Dr. No Cuando por fin Bond resuelve el puzzle y decide tomar rumbo hacia la isla misteriosa, se ha perdido tanto tiempo del film que la sensación que me dejo es que fue un desperdicio completo ese tramo de la película, sin embargo el director Terence Young tenía un as bajo la manga para despertarme del letargo en que me tenia sumergido las pesquisas del mejor agente del MI6. Ese as bajo la manga no es nadie más que Ursula Andress que ataviada de un sugerente bikini blanco regala por mucho el mejor momento de la película en una escena en la que sale del mar la cual aun hoy en día puede sacarme más de un suspiro. 

Tras la incursión de Andress, la película despega un poco al estar a puertas de conocer al hombre que se esconde tras ese enigmático Dr. No, que no es otro que Joseph Wiseman, un actor canadiense poco conocido pero que en esta película destaca como un gran súper villano, al cumplir con creces todas las necesidades del género revelando innecesariamente su plan de controlar los cohetes enviados a la Luna por parte del gobierno de los Estados Unidos para que estos sirvan a los interés de la organización SPECTRA (Ejecutivo Especial para Contraespionaje, Terrorismo, Venganza y Extorsión), dándole el tiempo necesario para que nuestro héroe se escabulla y urda el plan que lleva al traste los planes del satánico Dr. No, -suscripción religiosa que le acuñaron en la traducción hispanoamericana- precipitando el irremediable enfrentamiento final que me resulto bastante flojo, a decir verdad esperaba mucho más del científico loco, sobre todo teniendo en cuenta que tenía dos garras como manos pero que muy torpemente utilizo contra 007 que en un rápido movimiento envía al temible Dr. No a un pozo radioactivo lo que produce una serie de explosiones en la isla de las que Bond se salva por los pelos, al igual que la película que por muy poco se salva de ir a la pira de las malas películas. 

                                 

Poster del Domingo – Chicas Bond

Debo reconocer que no soy un gran seguidor de la saga cinematográfica del espía ingles, si mi memoria no me falla me he visto todas las películas desde que Pierce Brosnan tomo el relevo en Goldeneye (1995) hasta su más reciente episodio a la cabeza de Daniel Craig en la irregular Skyfall (2012). De las películas antiguas me he visto algunas hace ya varios años así que en mi mente existe un popurrí de imágenes que no sé muy bien a cual película corresponde, aunque todas ellas me traen un buen recuerdo, en especial en lo que se refiere al personal femenino que acompaña el señor Bond en sus múltiples aventuras por eso esta edición de Poster de Domingo va dedicada a esas lindas señoritas que en más de una ocasión me hicieron suspirar.

Ursula Andress es la encantadora protagonista de la versión japonesa del poster de Dr. No (1962) encarnado a Honey Raider, una mujer de armas tomar que nos regala uno de los momentos clásicos de la historia del cine con la escena en la que sale del mar con ese sugerente bikini blanco para sobresaltarse con la presencia de James Bond al que no duda enfrentar con la daga que utiliza para sacar conchas marinas. 

Shirley Eaton se roba todas las miradas en este poster de Goldfinger (1964) con la icónica imagen de la mujer cubierta por pintura dorada, marca personal del magnate Aurick Goldfinger que en una de las mejores escenas de la película asesinara Jill Masterson -personaje encarnado por Eaton- intentando amedrantar a Bond para que de una vez por todas deje de meterse en sus asuntos.

Thundeball (1965) nos regala un delicioso tres por uno multicolor con Luciana Paluzzi, Claudine Auger y Martine Beswick que nos invitan a ir a la playa con sus tentadores trajes de baño, así no encontremos por ahí a un ridículo James Bond con aletas y arpón en mano para arruinar la diversión, se puede pedir más acaso?, realmente lo dudo. 

Una de los mejores poster, no solo de la saga Bond, si no del cine en general es esta preciosa imagen de Casino Royale (1967), una película apócrifa dentro del universo Bond la cual realiza una sátira del primer libro que escribió Ian Fleming sobre el personaje, sin embargo la imagen no deja de ser sobresaliente, y aunque no podría decir quién es la mujer en la que si inspira Robert McGinnis para realizar la ilustración si es un buen ejemplo de cómo debe ser una chica bond.

Grace Jones hace suyo el poster de A View to a Kill (1985) enseñando porque su personaje de May Day es uno de los más singulares que se han visto en toda la saga Bond, de hecho se ve mucho más peligrosa que el fofo Roger Moore al que recuerdo bastante plano en esta película, pero a la que no olvido es a Jones que con su intensa actuación se gano merecidamente un lugar entre las mejores chicas bond. 

¿Quién Mato A Laura Palmer?, Realmente No Me Importa

“No tengo la menor idea de a dónde nos conducirá todo esto, pero tengo la firme sensación de que será un lugar tan extraño como maravilloso”, Dale Cooper.

Termino la primera temporada de Twin Peaks con un gran sabor de boca, a pesar de que la season finale (no sé si para 1990 existiese este concepto tal cual lo conocemos ahora) me resulto algo floja quedo con una sensación generalizada de que su estatus de serie de culto es bien merecida. Recuerdo que a principios de la década anterior pude ver algunos capítulos, pero en aquel momento esperaba encontrarme con una iniciática X-Files, pero la serie de David Lynch va más allá del monstruo de la semana (que me encanta igual) llevando al paroxismo la idea de pueblo chico infierno grande en una obra coral que se caracteriza por los secretos que esconden cada uno de los habitantes del pueblo y que conforme avanzan los capítulos nos iremos dando cuenta cuáles son sus verdaderas intenciones. 

Son estos personajes los que hacen grande a la serie de Lynch que logra construir una estructura narrativa que bebe de lo extraño y a veces del sin sentido sin que esta resulte abrumadora. No es gratuito entonces que personajes como La Señora Leño, una mujer que carga un tronco como si fuera un bebe y con el cual asegura tener una conexión psíquica o Nadine Hurley una mujer con un parche en un ojo psicológicamente inestable aparezcan de vez en cuando para ofrecernos un espectáculo bizarro que nada aporta a la trama principal pero que resulta sumamente atractivo para el ojo del espectador y que en mi caso suele dejarme sin palabras imaginándome la posible existencias de personas así en el mundo real. Pero si hablamos de personajes emblemáticos de la primera temporada como dejar de lado a Dale Cooper, agente especial del FBI que se encarga de la investigación del asesinato de Laura Palmer y que es por mucho mi personaje favorito de la serie gracias a su excéntrica personalidad la cual es el detonante múltiples momentos memorables que son de lo mejor que he visto en la pequeña pantalla. 

Finalmente hay que agradecerle a Lynch el maravilloso casting femenino que eligió para la serie el cual es todo un deleite para la vista, y es que Twin Peaks parece ser un gran lugar para vivir si lo que buscas es estar rodeado por lindas señoritas encabezadas por Mädchen Amick, Lara Flynn Boyle y la espectacular Sherilyn Fenn las cuales son un plus más para adentrarme en una historia que inicialmente me atrapo por la necesidad inherente de resolver el misterio que se esconde tras el asesinato de Laura Palmer pero que conforme pasaban los capítulos iba dejando de lado para interesarme más por conocer las motivaciones que mueven las mentes de los habitantes del pequeño pueblo de la américa profunda el cual estoy seguro oculta secretos más sombríos que un asesinato sin resolver. 

Terminal Island: la isla de las mujeres macisas

Uno de los clásicos del cine de explotación de los 70´s es sin duda Termina Island, producida por la infatigable Dimensión Pictures la cual nos regala noventa minutos de diversión con una premisa jugosa a no más poder en la que los peores criminales del país son enviados a una isla desierta en la que construyen una sociedad incipiente dominada por el villano de turno que con puño de hierro tienen bajo su manto a la mayoría de reclusos de la isla. La historia tomo un giro con la llegada de Carmen una Pam Grier de segunda división interpretada por Ena Hartman, que se opone a los vejámenes de los que son víctimas las mujeres en el campamento dominado por Bobby el cual las obliga a trabajar duramente en el día para posteriormente cumplir las funciones de amantes de los hombres del campamento. Las cosas no pintan muy bien para Carmen que  no tiene más remedio que ceder ante la presiones del líder del campamento que  suele disfrutar con los constantes ataques de violencia que surgen entre su grupo, permitiendo luchas, violaciones y asesinatos sin despeinarse un poco.

La historia se retuerce aun más con la presencia de una facción rival que secuestra a las féminas del campamento en un acto de hombría inigualable regalándonos uno de los mejores momentos de la película con una escena de acción tan mal coreografiada que resulta entrañable su visualización. Este nuevo grupo es mucho más laxo que el comandado por Bobby, aquí las mujeres son tratadas como iguales y no como objetos sexuales, permitiendo un desarrollo mayor a las mujeres del grupo que no tardan en convertirse en un tándem erótico a la cabeza de la bien dotada Phyllis Davis, que se suma a Barbara Leigh y Marta Kristen para llenar la pantalla con sus curvilíneas figuras,  pasando a un segundo plano la historia de la lucha de poder entre las dos facciones que habitan la isla llevándonos por los terrenos del sexploitation más serie B. 

Por supuesto este idílico edén no durara para siempre cuando Bobby envía a sus esbirros para recuperar a sus mujeres, desencadenando el inevitable enfrentamiento en el que un primerizo Tom Selleck traicionara a su antiguo grupo para darle la ventaja al grupo de los good guys que cuentan con pequeñas bombas molotov que les dará la ventaja necesaria para derrotar a sus rivales instaurando un nuevo orden reinante en la isla en la que la igualdad será la bandera ondeante para un final demasiado políticamente correcto para una historia que cumple todos los cánones del cine de  explotación. 

               

Poster del Domingo - Lifeforce

Uno de los clásicos indiscutibles de los videoclubs es Lifeforce (1985) dirigida por Tobe Hooper que venía de rodar Poltergeist en 1982 lo cual revestía de vital importancia a esta película ya que podría ser su consagración en el cine de género, lastimosamente para Hooper la crítica no le acompaño y destrozó por completo la película quedando reducida a los anaqueles de los videoclubs que la convertirían en la obra de culto que es hoy en día gracias a esta historia psicotronica  de vampiros espaciales que invaden la tierra en busca de la fuerza vital que los mantenga vivos por más tiempo, comandados por la hermosísima Mathilda May que nos regala durante todo el metraje uno de los desnudos gratuitos más disfrutables de la cinematografía mundial, convirtiéndose en una especie de femme fatale del espacio exterior que dominara la película por completo y que resulta uno de los elementos más memorables de una obra delirante que te atrapa de principio a fin.

El poster promocional con el que se lanza la película no inspira mucho, tenemos el planeta tierra en primer plano y lo que parece ser un ojo que viene de espacio exterior y que juega con la frase que acompaña la imagen en la que nos advierten que en un abrir y cerrar de ojos comienza el terror. La verdad no me explico muy bien la elección de esta imagen, teniendo en cuenta todas las posibilidades que un filme como Lifeforce podría ofrecer, demasiado políticamente correcto para mi gusto.

Los ingles son un poco más astutos al reconocer por dónde van los tiros en la obra de Hooper, con una ilustración en la que vemos como desde una nave nodriza se desprende dos capsulas en las que parece estar atadas mujeres desnudas jugando con la alta carga sexual que tiene la película y que invita al público a estar muy atento, porque las rubias espaciales vienen a invadir la tierra.

Los italianos juegan en la misma línea con una ilustración en primer plano de una sugerente rubia que parece comandar las huestes invasoras bajo el delicioso titulo de Space Vampires, que muy seguramente le habría dado muchos más réditos a Hooper; es que con ese nombre estoy seguro que las salas de cine estuvieran a reventar, yo sería uno que no perdería la ocasión de ver semejante obra.

Aunque mi favorito sin duda es el poster francés, me encanta la imagen de los astronautas explorando los confines de la nave alienígena y la sensación que produce el encontrarse con esos sarcófagos de cristal en los que yacen  los vampiros espaciales que parecen estar a punto de despertar y que están encabezados por Mathilda May que hasta dibujada se ve terriblemente bien.

Finalmente tenemos a nuestros amigos japonés con un poster muy en su línea de hacer un popurrí de los momentos más sobresalientes de la película y que en esta ocasión consiguen crear un poster algo raro, no recuerdo esa imagen en plan Carrie ni mucho menos los zombies que esta atrás de la misma, para mí que los encargados del poster jugaron a poner cosas que resultaran atrayentes, quizás por eso me quede esa sensación de esta frente a algo desconocido.

Bonus Stage: poster tailandés increíblemente genial que mezcla toda la sexualidad que pulula en el filme con los siempre bien ponderados monstruos espaciales.

Chicas Meyer

¡Damas y Caballeros...Bienvenidos a la violencia! La palabra y el acto, porque la violencia se oculta a si misma...tras muchos disfraces... y su manto favorito permanece: el sexo. La violencia devora todo lo que toca. Su voraz apetito raramente se llena. La violencia no sólo destruye...también crea y moldea. Examinemos entonces de cerca ésta peligrosa y maligna creación, ésta nueva especie...aprisionada y contenida en la flexible piel femenina. La suavidad está ahí, el inconfundible aroma de mujer. La superficie, brillante y sedosa. El cuerpo, dócil pero perverso. ¡Pero atención...vayan con calma y no bajen la guardia! Los miembros de esta rapaz especie acechan tanto solos como en grupos...Operando en cualquier nivel, momento, lugar o con cualquier persona. ¿Quiénes son? podría ser tu secretaria, la recepcionista de tu médico, o una bailarina de un Club A Go-Go.

Russ Meyer define a la perfección a sus mujeres en la intro de Faster Pussycat Kill Kill (1965) una de las más grandiosas películas jamás filmadas en las que tres pérfidas mujeres van en pos de la fortuna de un anciano que se las verá difícil al enfrentarse a las curvas letales de las macizas protagonistas. 

Rubias Pulp

Las mujeres rubias siempre han sido un fetiche para el imaginario de la (Sub)cultura mundial al ser convertidas iconográficamente en objetos de deseo, es por eso su recurrencia natural dentro de la novelas pulp desde la instauración del genero. Nos encontramos inicialmente con rubias que eran retratadas como mujeres que despertaban las más bajas pasiones de los protagonistas masculinos de las novelas que hacían cualquier cosa que estuviese a su alcance para conquistar el amor de la  rubia de turno. Este imaginario no tardo en evolucionar al imbuir de una personalidad casi licenciosa a las féminas que se aprovechaban de sus encantos para apoderarse de los bienes de hombres acaudalados que no podrían resistir sus encantos. Esta línea derivo rápidamente en una corriente que en una especie de venganza literaria instauro el subgénero de crímenes en los que la víctima era generalmente una rubia que caía presa de un misterioso criminal, lo que desencadenaría cierto nivel de controversia por parte del sector femenino que no veía con muy buenos ojos las situaciones por las que pasaban las protagonistas de las novelas, es así como en una jugada muy astuta realizada por los escritores pulp, se empiezan a publicar novelas en las que las rubias pasan de ser objetos de simple deseo a mujeres de armas tomar que dominaba por completo a su contraparte masculina teniendo mucho más éxito que las anteriores versiones cambiando por completo el registro de la mujer rubia hacia un terreno digno de cualquier femme fatale.

Momentos POP – El Mensaje de la Novia

The Bride: Te he mantenido viva por dos razones. Primero, por la información.

Sofie Fatale: ¡Incinérate en el infierno, rubia estúpida! ¡Incinérate en el infierno, rubia estúpida! No te diré nada.

The Bride: Pero te haré preguntas. Y cada vez que no me des respuestas...te amputaré algo. Y te juro que...¡Serán cosas que extrañarás! ¡Dame tu brazo!, ¡Quiero saber todo sobre las Víboras Letales!.

…..Como dije antes, te he permitido conservar tu infame vida por dos razones, y la segunda razón es, para que le puedas decir a él, personalmente, todo lo que sucedió aquí esta noche. Quiero que él presencie el alcance de mi misericordia, viendo tu cuerpo deformado. Quiero que le digas qué información acabas de darme. Quiero que sepa lo que yo sé. Quiero que sepa que quiero que lo sepa. Y quiero que todos sepan...que pronto estarán tan muertos como O- Ren lo está.

The Bride revela sus cartas enviando un mensaje directo a Bill en el que todo el odio y la furia contenida del personaje de Uma Thurman se siente en cada palabra, logrando un escena sencillamente hermosa que tras un nuevo visionado, me ratifica el porqué considero a Kill Bill Vol 1 (2003) como la mejor película de Quentin Tarantino. 

La Venganza de Christina Lindberg

Una de las grandes figuras del cine de explotación es la encantadora Christina Lindberg, mujer de armas tomar que inicia su carrera en el cine en la década de los setenta con una serie de obras de carácter erótico filmadas en su natal Suecia entre las que destacan Made in Sweden (1971), Exponerad (1971) y la genial Sex At The Olympics (1972) que le sirvieron para crear una gran reputación dentro del cine de género europeo. Gracias a esto es invitada a Japón  para participar en una de las películas icónicas de las Pinku Eiga niponas, se trata de Sex & Fury (1973) dirigida por el maestro de la explotación Noribumi Suzuki el cual filma una película repleta de violencia estilizada en las que brilla con luz propia Reiko Ike, actriz capaz de hacerle sombra a Meiko Kaiji en un filme en la que la sed de venganza de la protagonista se encarga de guiar la trama mientras que Christina aporta las dosis de sensualidad necesaria para crear todo un clásico que merece ser reivindicado.

                    

Pero es sin duda su papel en Thriller: A Cruel Picture (1973) la que la llevaría a ser reconocida como uno de los iconos del cine de explotación gracias a un filme símbolo de las Rape And Revenge en la que Christina interpreta el papel de Frigga, una joven inocente de un pequeño pueblo que es raptada por un proxeneta que la engancha con la heroína y la obliga a prostituirse para así poder conseguir las dosis necesaria para mantener su adicción, cuando Frigga se revela ante su captor este no tiene una mejor idea que extirparle un ojo con un bisturí en una de las escenas más salvajes de toda la película. Es entonces cuando el filme cae en un espiral de degradación hacia el personaje que cuando está a punto de tocar fondo, recupera fuerzas y comienza a fraguar una de las venganzas más épicas de la historia del cine en la que Christina se come la pantalla con un personaje que se nutre de su obsesión por saldar cuentas con aquellos que destruyeron su vida. 

                    

Esta película marco un antes y un después en la carrera cinematográfica de Christina Lindberg que luego de Thriller : A Cruel Picture fue perdiendo fuerza, realizando esporádicos cameos en algunas películas suecas hasta casi abandonar por completo su carrera como actriz, pero con el estreno en 2003 de Kill Bill su carrera tuvo un renacer de entre las cenizas gracias al renovado interés que se genero por el cine de explotación, que la llevo de nuevo a estar en el interés del público que la veía como la figura icónica que había alimentado la mente de Quentin Tarantino para crear a The Bride, produciéndose un inusitado auge de sus películas que fueron reeditadas y presentadas de nuevo en festivales especializados en los que Christina era homenajeada por una filmografía que pese a no ser muy amplia, es la suficiente para considerarla como una de las más emblemáticas femme fatale de la historia del cine.

Féminas Creepy

La revista Creepy en su versión española siempre premio el uso de féminas para las portadas creando imágenes sugerentes que exhibían a mujeres que eran víctimas del horror representados en monstruos del espacio exterior, hombres con colmillos afilados o hordas de muertos vivientes, pero tan bien nos enseñaba su contraparte más malvada con mujeres capases de seducir al más hábil de los amantes para adentrarlo en las fauces del terror.

Momentos POP - Raquel Welch Space-Girl Dance

                                   

Raquel Welch viaja desde un millón de años antes de cristo hasta 1970 para enseñarnos su nueva danza psicotrónica espacial.

La Mirada de Meiko Kaji

Meiko Kaji nace en 1947 en la ciudad de Tokio, comenzando su carrera cinematográfica a mediados de los años 60 con la conocida compañía productora Nikkkatsu, con pequeños papeles en los que aparecía como segundaria de las estrellas de la compañía, su gran oportunidad llega en 1970 cuando fue elegida como una de las protagonistas de la saga de Stray Cat Rock, que inicia con Stray Cat Rock: Female Boss la cual se erige como una de las pioneras del genero Sukeban que se centra en el imaginario de grupos de jóvenes delincuentes femeninas y que en esta obra nos presenta a  Meiko Kaji como la líder de una “pandilla”, construyendo alrededor de si, una aura de mujer fatal que ira acrecentando durante la saga llegando al paroxismo en la imprescindible Stray Cat Rock: Sex Hunter (1971).

                  

En 1972 Meiko abandona Nikkkatsu, que tras una crisis economía decide orientar sus películas hacia el porno suave y el erotismo (aunque sin abandonar del todo sus acostumbrados baños de sangre), firmando con la todo poderosa Toei, con los que protagoniza Female Prisoner #701: Scorpion  en la que interpreta a Nami Matsushima una mujer engañada por un policía corrupto, violada por yakuzas y encerrada en una prisión femenina donde será objeto de todo tipo de torturas y humillaciones por parte de sus guardianes y compañeras. Pero más allá de esto, es la fría mirada de la protagonista la que imprime un toque sublime a la película, pues es con esta y el mismo silencio que lleva a cabo su venganza, escena final que convertiría en celebre el traje de gabardina y sombrero que Meiko porta en ella. Este papel lo repetiría en tres oportunidades más en Female Convict Scorpion: Jailhouse 41, Female Convict Scorpion: Beast Stable y finalmente en Female Convict Scorpion: Grudge Song, serie de películas rodadas entre 1972 y 1973 que son un claro ejemplo del exploitation nipón, en una saga que no tiene desperdició alguno.

                 

En 1973 encarna a Yuki en la impresionante Lady Snowblood, adaptación del popular manga de Kazuo Koike y Kazuo Kamimura que nos relata una de las historias más violentas de era Meiji. Huérfana desde el mismo momento de su nacimiento y cuya existencia solo tiene una razón de ser, la venganza para con aquellos que destruyeron su familia. Meiko Kaji representa en esta película el epitome de la venganza, una mujer con un gélida mirada, parte odio y parte tristeza que no conserva en su ser un mínimo de piedad, llevando su venganza hasta límites insospechados, convirtiendo el personaje de Yuki en todo un icono de la serie B japonesa en una de las mejores películas que haya podido ver. Lastima la idea de la Toei de seguir explotando el personaje de Meiko al realizar la innecesaria Lady Snowblood 2: Love Song of Vengeance (1974) que desvirtúa por completo el perfecto final de la primera parte y que deja sin pies ni cabeza al personaje de Yuki quien era movida en la película original por su incesante sed de venganza y que esta vez carece de tal sentimiento, en una película que como obra independiente resulta por lo menos interesante de ver, pero que comparada con la original se queda escalones abajo ante la magnificencia de la obra original.

               

Tras el personaje de Yuki, Meiko continua con una carrera más o menos exitosa, se destacan su participación en la genial Yakuza Graveyard  (1976) acompañando a Tetsuya Watari en una película de policía duro e insobornable que se enfrenta con mano firme al crimen organizado y en la infumable The Love Suicides at Sonezaki (1978), con las que gano el premio Blue Ribbon y el Hochii Fil Award por su actuación, muy alejada de sus anteriores “heroínas salvajes” en un intento por apartarse del nicho de la Serie B y focalizar su carrera en papeles de talante más serio, pero que al final terminarían por ser un pseudo canto del cisne al perder el misticismo de icono violento que la caracterizaba.También cabe mencionar su carrera como cantante que compaginaba con su oficio de actriz siendo en repetidas ocasiones la encargada de componer la banda sonora de las películas, esta otra faceta fue recopilada en el maravilloso Zenkyoku Shu (2004) un hermoso disco repleto de canciones terriblemente melancólicas  que se me antoja increíblemente adictivo, en su momento lo escuche de manera casi obsesiva al caer hipnotizado por la variedad de matices que solo acrecentaron más el mito de esa hermosa mujer llamada Meiko Kaji.