Poster del Domingo - The Beyond

Una de mis películas favoritas desde hace un montón de años es The Beyond (1981) del unas veces amado y otras veces odiado Lucio Fulci que con esta película logra uno de sus mejores trabajos o incluso su mejor trabajo detrás de las cámaras (teniendo en cuenta que estamos hablando desde la óptica de la serie b) con una historia cargada de elementos convencionales dentro del cine de género pero que en manos de Fulci se retuercen de tal manera que es imposible olvidarse de lo que pasa a través de la pantalla y no me refiero solo a las salvajes escenas gore que pululan por el film (no todos los días ves unas arañas arrancarle la lengua a un tipo) que son lo que primero se te viene a la mente  al recordar la película, si no a ese ambiente malsano que imprime el director italiano durante toda la película que te deja con una sensación incomoda y que es lo que intentaron plasmar en los poster promocionales con mayor o menor fortuna pero que visto sobre la medida de los común resultan sumamente atractivos, al menos desde el campo visual.

En pleno furor del cine slasher que mejor que una damisela en problemas para vender una película, asumo que esto pensaron los productores que nos regalan un  poster directo sin demasiadas concesiones en el que una chica con una sugerente camisa cubierta de sangre es atacada por lo que parece ser un demonio el cual ahora que lo pienso no sale en la película, de hecho la escena que se plasma en el poster, si mi memoria no me falla,  en ningún momento sucede dentro de la trama, lo que lo hace más encantador aún al ser una prueba fehaciente de la magia del mundo de la serie B que permite este tipo de licencias con tal de vender la película.

Para el mercado norteamericano la película se edito bajo el nombre de The Beyond, titulo por el que es más conocida esta obra de Fulci y que en este poster logran captar ese ambiente malsano que tanto le preocupaba al director con una imagen que recuerda poderosamente al poster clásico de The Night of the Living Dead con los muertos al acecho y que en esta oportunidad se complementa con la pareja protagonista huyendo de lo que parece ser una muerte segura. Cabe resaltar la interesante paleta de colores que utilizo el artista al realizar este poster que con algunas pinceladas logra crear un ejército de demonios aun más aterradores que los mismos muertos vivientes. 

7 Doors of Death es el nombre con el que se publico en Inglaterra con un poster en el que se cita a dos grandes del género como Texas Chainsaw Massacre y Poltergeist y que opta más por una estética cercana a las ilustraciones de las novelas pulp con una imagen que si bien no dice demasiado, por lo menos logra su objetivo que es hacernos detener por uno minutos para ver de qué va todo esto de la chica con las arañas, su fiel acompañante que corre en su ayuda y el grupo de hombres desnudos (asumo que serán los zombis de la peli) que intentan atraparle no con las mejores intenciones.

Mucho más interesante es el poster francés que realmente mete miedo con ese zombi crucificado que sin haber visto la película antes genera miles de conjeturas acompañado de  la pareja protagonista que corre arma en mano hacia un grupo de cadáveres en una imagen bastante tétrica y que recrea a la perfecciones la idea de Fulci de adentrarnos en una historia en la que sintamos que somos participes de una viaje  sin retorno a los más profundos y oscuros confines del más allá en un poster sumamente contundente.

Finalmente tenemos la cereza del pastel, el poster filipino que parece adueñarse de la idea de los japonés que no dudan en tomar los mejores momentos de las películas para crear un collage que represente la película. En este caso  ¿que podría ser mejor para un poster de una película de terror que un hombre ensangrentado, una mujer degollada por un perro,  un tipo que es arrojado de una alta cornisa, una mujer atacada por muertos vivientes, un tipo que le dispara en la cabeza a una niña diabólica al lado de un esqueleto que se levanta de su tumba y una mujer ciega que puede ver en el mundo de los muertos? ¡Absolutamente nada!.

Momentos POP – Los Trabajadores de la Estrella de la Muerte

Randal Graves: ¿Qué es lo que más te gusta: Jedi o El Imperio Contraataca?

Dante Hicks: Imperio.

Randal Graves: Que Blasfemia.

Dante Hicks: Imperio tiene el mejor final. O sea, Luke pierde la mano, se entera que Vader es su padre, Han se congela, se lo lleva Boba Fett. Termina tan depresiva, pienso que eso es la vida, una serie de finales depresivos. Todo lo que Jedi tuvo fue un manojo de Muppets.

Randal Grave: Había algo más que sucedía en Jedi. Nunca lo había notado hasta hoy. Construyeron una Estrella de la Muerte, ¿no?

Dante Hicks: Sí.

Randal Grave: La primera estaba completa y funcionando perfectamente antes que los rebeldes la destruyeran.

Dante Hicks: Luke la voló, dale mérito cuando corresponde.

Randal Grave: La segunda estaba en construcción cuando la volaron.

Dante Hicks: Cumplidos a Lando Calrissian.

Randal Grave: Algo nunca quedó bien conmigo esa segunda vez. Nunca pude decir qué, pero algo no estaba bien.

Dante Hicks: Y lo averiguaste.

Randal Grave: La primer Estrella de la Muerte era de la Armada Imperial, las únicas personas a bordo eran soldados, dignatarios, Imperialistas.

Dante Hicks: Básicamente.

Randal Grave: Así que cuando la volaron, no hubo problema, se castigó a los malos.

Dante Hicks: ¿Y la segunda vez?

Randal Grave: La segunda Estrella de la Muerte no había sido terminada todavía, no estaba construida.

Dante  Hicks: ¿Y qué?

Randal Grave: Una construcción de esa magnitud requeriría mucha más mano de obra que lo que la Armada Imperial podía ofrecer. Apuesto que necesitaron contratistas independientes en esa cosa, plomeros, soldadores de aluminio, albañiles...

Dante Hicks: No solo Imperialistas. ¿A eso te refieres?

Randal Grave: Exactamente. Para construir rápido y bien, contratan a cualquiera que pueda hacer el trabajo. ¿Crees que los Soldados Imperiales saben cómo instalar un baño? todo lo que saben es matar.

Dante Hicks: Así que ellos traen contratistas independientes. ¿Por qué estás preocupado?

Randal Graves: Todos esos contratistas inocentes mueren, con la guerra en la que no tenían nada que ver. Mira, eres un albañil, vienen a contratarte del gobierno, tienes una esposa e hijos, casa de dos pisos en un barrio, ser contratado por el gobierno significa toda clase de beneficios, después vienen estos militantes de izquierda a derribarlo todo dentro de un radio de tres millas con sus láser. No pediste eso; no tienes una política personal. Tu sólo estas tratando de tener una mejor calidad de vida.

Cliente: No quisiera interrumpir,  pero... ¿De qué están hablando?.

Randal Graves: Del final de El Regreso del Jedi.

Dante Hicks: Mi amigo trata de convencerme de que hubo contratistas independientes trabajando en la Estrella de la Muerte que fueron víctimas inocentes cuando fue destruida por los rebeldes.

Cliente: Soy contratista, soy albañil, Hecho y Listo, arreglos del hogar. Hablando como un albañil, podría decirte que tengo política personal que pesa mucho cuando elijo un trabajo.

Randal Graves: ¿Cómo cuándo?

Cliente: Hace tres semanas me ofrecieron trabajo en las colinas, una hermosa casa una propiedad inmensa, un simple trabajo de relleno. Me dijeron que si podía terminarlo en un día, doblarían mi paga. Luego pensé de quién era esa casa.

Randal Graves: ¿De quién era?

Cliente: De Dominic Bambino.

Randal Graves: ¿Cara de bebé Bambino? ¿El gángster?

Cliente: ¡El mismo! El dinero estaba bien, pero el riesgo era muy alto, yo sabía quién era, y basado en eso, le derivé el trabajo a un amigo.

Dante Hicks: Basado en una política personal.

Cliente: ¡Exactamente!. A la semana siguiente la familia Foresie ataco la casa de Cara de Bebé, le dispararon y mataron a mi amigo, nunca termino el trabajo.

Randal Graves: No puede ser.

Cliente: Estoy vivo porque supe el riesgo que traía ese cliente particular, mi amigo no tuvo esa suerte. Cualquier contratista trabajando en la Estrella de la Muerte sabía el riego que corría, si los mataron, fue su culpa. Un albañil escucha su corazón, no a su billetera.

Kevin Smith nos regala un momento de nerdismo absoluto con una conversación llena de genialidad en la que Randal Graves y Dante Hicks discuten sobre la injustificada muerte de los trabajadores de la segunda Estrella Muerte y las consecuencias de trabajar con el Imperio; algo tan genial como esto solo puede pasar en el clásico de culto Clerks (1994), película que cualquier mortal debería ver, sea asociado o no al imperio del mal

El Engaño Hemingway: un error ultradimensional

En 1922 un joven Hemingway pierde una maleta con la única copia de su primer novela, ochenta años después en un pequeño café un estafador inescrupuloso se encuentra con un profesor de literatura especialista en el afamado autor al cual le propone que realice unos escritos imitando el estilo de Hemingway para hacerlos pasar como esa primer novela perdida. Este será el punto de partida para El Engaño Hemingway (1991) novela corta escrita por Joe Haldeman, un viejo zorro de la ciencia ficción conocido por su saga de La Guerra Interminable con la que gano los premios Hugo y Nebula en 1975 y que con esta novela repite los mismos galardones con una obra que parte desde una premisa muy original al introducir al lector en los devenires de la falsificación literaria, pero como si esto no fuera suficiente, Haldeman decide que la creación de una trama sustentada en el engaño es poco para sus intereses, así que adereza toda esta experiencia con múltiples viajes a universos paralelos. Debo reconocer que inicialmente me encanto la idea, parecía ser que la trama rocambolesca planteada podría funcionar de maravilla, pero lastimosamente todo se queda a medio camino gracias a que el autor decide entreverar demasiado la historia con una especie de grupo policial del espacio tiempo que vera este intento de falsificación como un atentado a la debida línea temporal, lo que implica por supuesto que nuestros profesor de literatura deberá enfrentarse a estos guardianes viajando por diferentes realidades en las que las pequeñas diferencias alteraran sustancialmente su plan, al que conforme pasen las realidades, ira revaluando y se dará cuenta que no es más que otra víctima del engaño, desatando un final apresurado del que Haldeman no sale bien librado pues las cosas se habían puesto tan brumosas que ni el mismo autor tuvo idea como solucionar dejando un montón de cabos sueltos y una sensación de estar perdido en medio de la nada, de hecho releí los dos últimos capítulos para ver si había pasado algo por alto, pero ni con eso pude encontrarle claridad al final de esta historia que resulta sumamente decepcionante teniendo en cuenta la maravillosa idea inicial. 

The Great Silence: un spaghetti western sin mucha salsa

Una deuda pendiente que tenía como fan del genero era el visionado de este film de Sergio Corbucci que se había ganado mi simpatía con esa obra maestra llamada Django (1966), por eso The Great Silence (1968) se presentaba como una gran oportunidad de retomar el camino de los hombres sin nombre y que tienen como regla disparar primero y preguntar después al ser una de las películas más aclamadas del genero. Con esta premisa me sumergí en la historia que Corbucci plantea evadiendo los acostumbrados parajes polvorientos y secos cambiándoles por un pueblo cubierto de nieve en el que no se ve más allá de sus propias narices. Este pequeño poblado será el eje central de la historia en la que los habitantes del lugar se ven obligados a convertirse en forajidos para poder traer el pan a la mesa de sus familias, convirtiendo a Colina Nevada en un paraíso para los caza recompensas que tienen un lugar lleno de hombres a los que el estado les ha puesto precio a sus cabezas.

Es en este momento cuando conocemos al personaje de Loco interpretado con sobreactuada magistralidad por Klaus Kinski, un perfecto villano sin escrúpulos que se encargara de cazar a cada uno de los forajidos del lugar para así llenar sus bolsillos con el dinero de las recompensas. Lo que no espera Loco era que una de las esposas de sus recientes presas decidiera contratar a un pistolero a sueldo para cobrar venganza por todos los vejámenes que este hombre a cometido. Tenemos entonces la excusa perfecta para la entrada del héroe en escena interpretado por Jean- Louis Trintignant que se pondrá la piel de Silencio, un misterioso hombre que ayuda a los más necesitados y que vera a Loco como su más grande enemigo, desarrollándose una subtrama que nos llevara por la niñez de Silencio aclarándonos sus reales motivaciones y el porqué de su presencia en el pueblo.

Como era de esperarse las cosas se ponen al rojo vivo entre los dos protagonistas que van intercalando escarceos mientras Corbucci nos introduce a los demás miembros del cast entre los que nos encontramos al nuevo sheriff del pueblo que será el aporte humorístico de la trama, un diputado corrupto que se plantea como el poder tras las sombras y el acostumbrado interés romántico del héroe representado en una viuda alegre que rápidamente deja el negro para entregarse a los brazos de Silencio. Pero todo esto pasa a un segundo plano, por lo que realmente importa es enfrentamiento entre los dos protagonistas que se dilata casi innecesariamente y ese es el gran pecado de Corbucci, el viaje de camino al encuentro final me resulto algo aburrido, quizás la falta de carisma por parte de Trintignant hizo que no me preocupase demasiado por su suerte mientras que Kinski se robaba todos los laureles en cada una de las escenas en las que participa, por lo que solo quieres que avancen los minutos para poder disfrutar del último baile de disparos.

Es aquí cuando comprendo un poco porque es tan emblemática esta película, su final es impactante como pocos al abrazar lo políticamente incorrecto regalándonos una escena que respira genialidad en cada una de sus secuencias en la que la música de Ennio Morricone crea un efecto de melancolía inusitada que logro hacerme olvidar por completo lo aburrido de su desarrollo para dejarme grabado a fuego esos últimos cinco minutos en los que Sergio Corbucci demuestra porque es uno de los más grandes directores del spaghetti western.

                              

Quiero A Mi Mujer

Tras una cruel batalla The New Avengers se toman un momento reflexivo para de una vez por todas resolver el misterio del irresistible sex appel de Spider-Woman, la respuesta es que uno de los poderes de la chica arácnida es liberar una feromona que induce atracción a cualquiera que se le acerque;  tras el descubrimiento el tándem masculino formado por Spider-Man, Wolverine y Luke Cage se da un respiro y descarta cualquier tipo de locura, discapacidad o infidelidad marital regalándonos uno de los mejores momentos cómicos de toda la serie. 

El Increíble Mach Five

A mediados de los noventas Cartoon Network era el paraíso para descubrir dibujos animados, en este canal vi por primera vez Fuerza G (Gatchaman para los puristas) una de mis favoritas de toda la vida que se gano mi corazón en una maratón de dos días en la que pude disfrutar de las aventuras de este particular grupo. También descubrí a Jonny Quest, Los Centuriones y esa maravilla de show que era El Fantasma del Espacio de Costa a Costa los cuales se convirtieron en mis favoritos de aquellos años. Pero había algo que siempre me rondaba la cabeza y eso era la programación pasada medianoche,  series que aun no habían sido dobladas y que frente a la barrera idiomática solo quedaba estar atento a las imágenes intentando comprender de que iba todo aquello. Dos en particular quedaron en mi memoria, Rocky and Bullwinkle, una ardilla y un alce que vivían absurdas situaciones  incomprensibles para mi corta edad pero que de vez en cuando me sacaban una sonrisa y Speed Racer genial serie sobre autos en las que no necesitabas entender mucho de la trama para disfrutar de las violentas carreras, los estrafalarios villanos y los increíbles autos repletos de gadgets a cual de todos más descabellado, pero sin duda el Match Five, el auto del protagonista, era el más memorable, así que en un ataque de nostalgia por esas madrugadas pegado a la pantalla viendo como Meteoro hacia morder el polvo a sus rivales realizo este post en el que resolveré uno de los misterios que me atormentaba en esos años, para que sirven todos los botones del timón del Match Five.

Boton A

Permite el lanzamientos de cuatro potentes gatos hidráulicos para que el auto sea reparado con facilidad, aunque Meteoro lo usaba a menudo para saltar largas distancias, saltar sobre otros coches, saltar sobre ríos, saltar sobre cualquier cosa! Y lo mejor es ese inconfundible sonido que acompañaba cada uno de los saltos.

Boton B

Otorga una cubierta especial a los cuatro neumáticos lo que le permite un mayor agarre en cualquier tipo de terreno: firme, inestable, helado, suelo marino, laderas verticales. Lugares en los que los 5000 caballos de fuerza de apoyo que provee este sistema ayudan a Meteoro a salir de más de un aprieto.

Botón C 

Uno de los más geniales gadgets del Match Five que le permite utilizar un par de potentes sierras rotativas que sobresalen de la parte delantera y que suelen ser utilizadas para eliminar obstáculos del camino. Nunca vi un episodio en que se usase las sierras en contra de otro auto, idea que siempre se me pasaba por la cabeza cuando las carreras se ponían complicadas, pero supongo que eso iba contra la moral de un personaje tan blanco como el protagonista.

Botón D

Libera un escudo protector que sella por completo la cabina del piloto con múltiples utilidades como servir de protección contra balas, resistir potentes choques o convertirse en una cámara de aires para cuando Meteoro se sumergía en carreras submarinas.  

Botón E

Control de iluminación especial que permite una visión mejorada el cual tiene un alcance superior a los mi metros y que además incluye el modo de visión nocturna que esta provisto de dos potentes luces infrarrojas que no dejan en las sombras ninguno de los peligros que acechan en el camino.

Botón F

Se utiliza cuando el Mach Five está bajo el agua, convirtiendo el auto en un modelo anfibio al liberar inicialmente un suministro de oxigeno en la cabina previamente sellada, posteriormente se eleva un periscopio de la parte trasera el cual tramite la información hasta una pantalla ubicada en cabina del conductor completando el circuito del genial mecanismo .

Botón G

Libera un pequeño robot en forma de ave el cual es utilizado para transmitir cualquier incidencia de la carrera, grabar mensajes, enviar información y hasta como instrumento de defensa al ser controlado por un mando a distancia instalado en la parte trasera del timón.

Poster del Domingo – Star Wars: a new hope

Una cantidad incalculable de mercancías relacionadas con el universo creado por George Lucas se ha producido desde el lanzamiento de  Episodio IV – A New Hope (1976), de todas ellas mi favorita siempre han sido los posters de las películas en los que de una u otro manera se intenta plasmar una imagen que represente el espíritu de la gran saga de aventuras intergalácticas. A lo largo de los años he podido encontrar algunas rarezas dignas de compartir, de eso va este post, una galería de poster del Episodio IV, quizás el más prolífico en cuanto a imágenes promocionales se refiere.

Iniciamos con dos de los mejores poster que sean realizados sobre A New Hope, el primero de ellos es una imagen creada por los hermanos Hildebrandt, famosos ilustradores de fantasía y ciencia ficción que con esta imagen pasaron a la historia al realizar el primer poster sobre la franquicia de Lucas y que en mi opinión es la mejor de todas las piezas que han sido publicadas al ser capaz de captar la esencia de la historia de la película. La acompaña el poster italiano creado por Michelangelo Papuzza un artista desconocido hasta ahora para mí del que investigando un poco me encuentro con un trabajo exquisito digno de reivindicar y que merecería un post para sí solo encabezado por este genial poster que plasma el estilo del fumetti italiano en una imagen que me encantaría que adornara mi biblioteca.

Continuamos con un par algo menos conocidos, el primero de ellos es el poster israelí que copia descaradamente la imagen de los hermanos Hildebrandt, aunque con algunas diferencias, me llama especialmente la atención la manera como caracterizaron a la princesa Leia, con una pose cercana a una típica femme fatale mientras que el buen Luke parece haber consumido una gran cantidad de esteroides para desarrollar tan portentosa musculatura. Por otra parte tenemos el poster rumano que no aporta nada nuevo realmente, un trabajo que pasa al blanco y negro a modo de fanzine el poster tradicional que solo se encuentra en esta galería dado su lugar de origen, bueno es que no todos los días podemos ver poster de películas hechos en Rumanía.

Un poster bastante desconocido es el realizado por el artista Drew Struzan, ilustrador también digno de reivindicar con una carrera de largo aliento y que en esta oportunidad nos regala una imagen sumamente encantadora que busca representar los cientos de poster que son pegados en la ciudad uno sobre otro y que con el pasar de los días o la extracción por parte de fanáticos cinéfilos se van deteriorando poco a poco,  sin dejar de lado la idea principal de un poster, que no es otra que vender la película, por ello toma lo mejor de la misma y lo plasma de manera magistral en la imagen, así como lo suelen hacer nuestros amigos japonés, infaltables en esta sección y que siempre sorprenden con su buen hacer a la hora de elegir los elementos más representativos de la películas en especial con este poster que como bien mencione sobre el realizado por Papuzza me encantaría verlo en algún lugar de mi casa. 

Las cosas se ponen algo abstractas con este par de imágenes, la primera de ellas es el poster realizado por el húngaro Tibor Helényi  personaje del que se encuentra muy poca información y que realiza un muy curioso acercamiento a la historia de Lucas, de la que al parecer lo que más le gusto fue el personaje de Darth Vader que es el protagonista absoluto del poster al cual le da un traje diferente al de la película mucho más cercano a los trajes que usaban los samuráis el cual surge imponente con la Death Star sobre si.  Claro que nuestros amigos polacos no se quedan atrás y nos sacan bajo la manga un poster protagonizado por C-3PO realizado por un artista un tanto más conocido que su contra parte húngara y que por lo visto se decanta por este tipo de trabajos en los que suele incrustar cierta crítica social, al parecer esta fue su idea con este curioso poster al sobreponer la imagen del androide diplomático sobre los protagonistas humanos. 

Bonus Stage: si los anteriores les parecieron curiosos, este está fuera de toda liga con un poster cercano a una pesadilla infantil que nace de la mente András Fevidéki, otro artista húngaro con un trabajo bastante singular y que suele realizar este tipo ilustraciones en las que predomina una estética bizarra.

Terminal Island: la isla de las mujeres macisas

Uno de los clásicos del cine de explotación de los 70´s es sin duda Termina Island, producida por la infatigable Dimensión Pictures la cual nos regala noventa minutos de diversión con una premisa jugosa a no más poder en la que los peores criminales del país son enviados a una isla desierta en la que construyen una sociedad incipiente dominada por el villano de turno que con puño de hierro tienen bajo su manto a la mayoría de reclusos de la isla. La historia tomo un giro con la llegada de Carmen una Pam Grier de segunda división interpretada por Ena Hartman, que se opone a los vejámenes de los que son víctimas las mujeres en el campamento dominado por Bobby el cual las obliga a trabajar duramente en el día para posteriormente cumplir las funciones de amantes de los hombres del campamento. Las cosas no pintan muy bien para Carmen que  no tiene más remedio que ceder ante la presiones del líder del campamento que  suele disfrutar con los constantes ataques de violencia que surgen entre su grupo, permitiendo luchas, violaciones y asesinatos sin despeinarse un poco.

La historia se retuerce aun más con la presencia de una facción rival que secuestra a las féminas del campamento en un acto de hombría inigualable regalándonos uno de los mejores momentos de la película con una escena de acción tan mal coreografiada que resulta entrañable su visualización. Este nuevo grupo es mucho más laxo que el comandado por Bobby, aquí las mujeres son tratadas como iguales y no como objetos sexuales, permitiendo un desarrollo mayor a las mujeres del grupo que no tardan en convertirse en un tándem erótico a la cabeza de la bien dotada Phyllis Davis, que se suma a Barbara Leigh y Marta Kristen para llenar la pantalla con sus curvilíneas figuras,  pasando a un segundo plano la historia de la lucha de poder entre las dos facciones que habitan la isla llevándonos por los terrenos del sexploitation más serie B. 

Por supuesto este idílico edén no durara para siempre cuando Bobby envía a sus esbirros para recuperar a sus mujeres, desencadenando el inevitable enfrentamiento en el que un primerizo Tom Selleck traicionara a su antiguo grupo para darle la ventaja al grupo de los good guys que cuentan con pequeñas bombas molotov que les dará la ventaja necesaria para derrotar a sus rivales instaurando un nuevo orden reinante en la isla en la que la igualdad será la bandera ondeante para un final demasiado políticamente correcto para una historia que cumple todos los cánones del cine de  explotación. 

               

Momentos POP – La Verdad Sobre la Vida

Marty: ¿Te puedo hacer una pregunta? Eres cristiano, ¿no?.

Rust: No.

Marty: ¿Entonces para qué tienes una cruz en tu apartamento?.

Rust: Es una forma de meditación.

Marty: ¿Cómo?.

Rust: Medito el momento en el jardín, la idea de permitir tu propia crucifixión. 

Marty: Pero no eres cristiano. ¿Y en qué crees?.

Rust: Creo en que la gente no debería hablar sobre esta clase de mierda en el trabajo.

Marty: Espera, espera. Hemos estado juntos durante tres meses, no sé nada de ti. Hoy, ya que estamos metidos en esto, sé cortés conmigo, ¿de acuerdo?, no intento convertirte.

Rust: Mira. Me considero un hombre realista, pero, en términos filosóficos, soy lo que se llama un pesimista.

Marty: Vale. ¿Eso qué significa?.

Rust: Significa que no se me dan bien las fiestas.

Marty: Déjame decirte una cosa. Tampoco se te dan muy bien lo que no son fiestas.

Rust: Creo que la conciencia humana fue un paso en falso en la evolución. Nos hemos vuelto demasiado conscientes de nosotros mismos. La naturaleza creó un aspecto de ella separado de ella misma. Somos criaturas que no deberían existir por ley natural.

Marty: Eso suena horrible de cojones, Rust.

Rust: Somos cosas que trabajan bajo la ilusión de tener un ser propio, esta acumulación de experiencias sensoriales y sentimientos programada con la total seguridad de que somos alguien, cuando, de hecho, nadie es nadie. 

Marty: Yo no iría por ahí soltando esa mierda, si fuera tú. La gente de aquí no piensa de ese modo. Yo no pienso de ese modo.

Rust: Creo que lo honorable para las especies es denegar nuestra programación, dejar de reproducirnos, caminar de la mano hacia la extinción, una última noche, hermanas y hermanos excluyéndonos voluntariamente de un contrato injusto.

Marty: ¿Entonces para qué nos levantamos cada mañana?

Rust: Me digo a mí mismo que para dar testimonio, pero la respuesta correcta es que estoy obviamente programado para ello, y que carezco de la capacidad de suicidarme.

Marty: Qué suerte la mía. Hoy me propuse lograr conocerte. Tres meses, no oigo ni una palabra de ti, y...

Rust: Lo pediste.

Marty: Sí. Y ahora te ruego que te calles de una puta vez.

En solo dos días me devore la primera temporada de True Detective, drama de HBO que narra la investigación de una serie de extraños asesinatos por parte de los detectives Marty Hart y Rustin "Rust" Cohle, una pareja singular como pocas, con un mar de diferencias por delante, pero que en la práctica resultan un equipo imbatible, solo amenazado ante la autodestrucción que ellos mismos propongan, en especial por parte de Rust, personaje inigualable interpretado por Matthew McConaughey con una maestría tal, que hace que los demás parezcan actores promedio cuando en realidad todos tienen un desempeño superlativo que se ve reflejado en la impecable factura de la serie que te atrapa instantáneamente con un desarrollo histórico envolvente cargado de diálogos exquisitos como el que acompaña este post en el que Rust plantea su visión de la vida a Marty tras encontrar un cuerpo abandonado el cual será el detonador para el desarrollo de la trama y que resulta la excusa perfecta para regalarnos esta impagable conversación. 

Tales from the Crypt – Primera Temporada

Tales from the Crypt es una serie de televisión creada por la cadena HBO en 1989 tomando como base las historia de los comics de terror publicados por EC Comics en la década de los 50’s que se aglutinaban en las series The Crypt of Terror, Haunt of Fear, Vault of Horror, Crime Suspen Stories, Shock Suspen Stories, Two-Fisted Tales y la homónima Tales from the Crypt. Como era una cadena de cable la que trasmitía la serie, esto permitió a los productores, un dream team conformado por Richard Donner, David Giler, Walter Hill, Joe Silver y Robert Zemeckis, presentar a la audiencia escenas de violencia gráfica que eran impensables para la época del estreno logrando captar rápidamente un gran número de seguidores que podían disfrutar de sus historias favoritas de la EC Comics trasladada a la pequeña pantalla. La serie tuvo una duración de siete temporadas entre 1989 y 1996 con un total de 93 episodios los cuales contaban con la presentación de the Crypy Keeper, una marioneta creada por Van Snowden a la que le ponía voz Jhon Kassir que le daba ese toque cochambroso característico que se convirtió en símbolo de la serie con fuerza propia al ser la imagen más representativa de la misma. 

En este primer post daré un repaso a la primera temporada, la más corta de toda con solo seis episodios emitidos, curiosamente en menos de 20 días, incluso los tres primeros fueron trasmitidos el mismo día en un especial de dos horas. Supongo yo que había cierta preocupación por parte de la HBO al tener en pantalla historias que fueron censuradas en su momento y que contaban con un alto índice de violencia explicita para la época, pero por fortuna estos temores se disiparon rápidamente tras el rotundo éxito que tuvieron los tres primeros episodios, lo que le llevo después de esto a encargar a los productores una segunda temporada con el triple de episodios y que se estrenaría al año siguiente; pero ya llegare a ese momento,  por ahora veamos el pleno de la primera temporada.

1. The Man Who Was Death

Publicado originalmente en Crypt of Terror #17 

Tras la abolición de la pena de muerte, Niles Talbot, verdugo oficial del la cárcel del estado de Nueva York es despedido de su trabajo al no serle útil ya a sus antiguos empleadores. Al encontrarse sin trabajo Niles se cuestiona sobre la eficacia del estado y de cómo este castiga verdaderamente a los criminales, en un discurso digno de cualquier misántropo al que Talbot carga de un regusto de justicia poética al dedicarse a vigilar a criminales que son exonerados bajo tecnicismo de la justicia que no  pasaran inadvertidos para el antiguo verdugo que a sus anchas se dedica a electrocutar a quienes considera escorias de la sociedad. Por supuesto lo bueno dura y Talbot es capturado por la policía que le informa que se ha restituido la pena de muerte y que esta será inaugurada con su ejecución, terminando el capitulo con Niles en su antiguo lugar favorito la silla eléctrica.

2. And All Through the House

Publicado originalmente en Vault of Horror #35

Este es por mucho mi capitulo favorito de la temporada al plantear una historia tan surrealista como repleta de clichés del genero. El capitulo inicia con una mujer que decide matar a su marido como auto regalo de navidad para así poder escaparse con su amante, las cosas se complican cuando Elizabeth intenta deshacerse del cuerpo de Joseph, momento en el cual la radio anuncia que hay un asesino acechando por los alrededores, un paciente del instituto psiquiátrico local que se ha fugado y que tras de sí ha dejado 4 mujeres muertas y que tiene como sello distintivo el usar un traje de Santa Claus. No falta ser demasiado listo para saber que el asesino hará una pronta visita a nuestra viuda alegre con el atenuante de que Elizabeth no puede contactar con la policía tras el asesinato de su marido. La solución vendrá a manos de Carrie la pequeña hija de Elizabeth que espera con ansias la llegada de santa para así recibir sus ansiados regalos de navidad.

3. Dig That Cat… He's Real Gone

Publicado originalmente en Haunt of Fear #21

Para probar su teorías sobre la vida después de la muerte, un típico mad doctor convence a un vagabundo para que sea parte de su experimentos por unos cuantos dólares. La idea del doctor es sencilla, implantar una glándula de gato en Ulric para así otorgarle las nueve vidas que se le adjudican a los felinos. Increíblemente el experimento funciona y Ulric pasa de ser un vagabundo cualquiera al único hombre en el mundo con nueve vidas. Ahora como sacarle provecho a esta situación, nada mejor que crear un acto de feria en el que Ulric muera una y otra vez para llenar sus bolsillos de dinero, pero como suele suceder en estos casos la ambición rompe el saco y se convertirá en un juego a tres bandas con la intervención del interés romántico de Ulric, que desencadenara un final en que de seguro las cosas no terminaran bien para ninguno de los participantes.

4. Only Sin Deep

Publicado originalmente en Haunt of Fear #24

Una mujer codiciosa y un tonto millonario son la combinación perfecta para recrear uno de las historias clásicas de Tales from the Crypt en la que una prostituta de poca monta decide cambiar su futuro conquistando a un desafortunado hombre de negocios con el objetivo de escurrirle todo el dinero. El plan maestro inicia con el asesinato de un proxeneta al que le roba sus joyas para llevarlas a la casa de empeño, allí se encontrara con un extraño propietario que le compra sus joyas además de ofrecerle 10.000 dólares por un molde de su cara, por su puesto nuestra protagonista accederá a tan particular propuesta con tal de hacerse con el dinero que la lleve a conseguir su objetivo sin prestarle demasiada atención a la clausula de la negociación, en la que se compromete a devolver los 10.000 trascurridos cuatro meses, de no ser así el molde pasara oficialmente a manos del propietario de la casa de empeño. Craso error el no detenerse en la letra menuda del contrato por que en el mundo de Tales from the Crypt este tipo de negociaciones suelen acarrear consecuencias fatales. 

5. Lover Come Hack to Me 

Publicado originalmente en Haunt of Fear #19

Siguiendo con la línea de caza fortunas el episodio cinco nos ofrece el otro lado de la moneda con un gigoló en plan Fabio que se casa con la heredera de una gran fortuna para como de costumbre apoderarse de ella. Esta vez las cosas son algo más descabelladas (si se puede) con una trama que inicia con los recién casos rumbo a su luna de miel, pero una tormenta hace que deban pasar la noche en una mansión abandonada en lo que inicialmente parece ser un elaborado plan urdido por Charles para deshacerse rápidamente de su nueva esposa, las cosas se retuercen cuando nos damos cuenta que quien esta tras todo esto es Peggy quien utiliza a Charles como semental para hacer cumplir su sueño de engendrar un hijo, ahora que lo ha conseguido su nuevo esposo le es inútil y nada mejor que un hacha de batalla de batalla para firmar el divorcio. 

6. Collection Completed

Publicado originalmente en Vault of Horror #25 

Finalizamos la temporada con el capítulo más flojo de todos en la que Jonas, un hombre amante de su trabajo que tras cumplir la edad reglamentaria es obligado a jubilarse, esto sume en un caos su vida que ahora se reduce a levantarse de la cama y esperar a que pasen las horas. El ocupar el tiempo será la nueva cruzada del protagonista, proceso en el cual ira convirtiendo su matrimonio en una constate disputa con su esposa que durante los años de trabajo de su esposo lleno su vació con una gran cantidad de mascotas que harán las delicias del irritable Jonas. La historia se retuerce cuando Jonas por fin encuentra un hobby en el que invertir su tiempo libre, la taxidermia es su elección y que mejor que practicar con las molestas mascotas de su mujer. Pero Jonas pagara caro su elección al enfrentarse  la furia de una animalista de corazón que lo convertirá en lo que más odia, en un final un tanto blanco y que se siente falto de la mala leche habitual de toda la temporada.