La Tierra Multicolor - Julian May

En el año de 2034 la tierra ha alcanzado un gran desarrollo tecnológico y casi se ha convertido en una sociedad utópica que disfruta con el contacto con razas alienígenas, más aun si estos intercambios sirven para potencializar el poder psíquico que tienen algunos humanos, muchos de los cuales se siente incómodos con sus recién descubiertas habilidades que sumados a las personas que desprecian la perfección de este futuro conforman un grupo de inadaptados que buscan huir a cualquier costo.  La situación de este singular grupo cambia radicalmente al encontrar una escapatoria, se trata de un portal descubierto por un científico francés que los llevara al Pleistoceno de la tierra en un viaje solo de ida que presenta un alto riesgo al no saber con que se puedan enfrentar en el inhóspito pasado terrestre. 

Pasan varios años  y el portal de convierte en una especie de mito del que solo pocas personas saben, es así como poco a poco vamos conociendo a los protagonistas de esta obra coral en la que un capitán de astronave, una atleta, un paleontólogo y una sacerdotisa se empecinan en hallar el portal que los lleve a escapar de la perfección tecnológica que invade la humanidad, siendo esto el menor de sus problemas pues al poder hallarle y lograr viajar se darán cuenta que todo lo que creían sobre el pasado de la humanidad esta errado al encontrarse con un lugar dominado por una raza extraterrestre que esclaviza a los humanos al utilizarlos como conejillos de indias para sus experimentos genéticos, serán entonces nuestros protagonistas los que traigan la revolución desde el futuro en una obra terriblemente apasionante que no te deja respiro alguno y que cuenta con tres continuaciones más El Torque de Oro, El Rey Nonato Y El Adversario que engloban una historia que pese a ser poco conocida desborda calidad.

Uri Geller Doblando Cucharas

                                 

Uri Geller es ilusionista, militar, ufólogo, escritor, télepata, modelo y probador de helados profesional, todo un héroe de la subcultura pop.

Colección de Tarjetas de Mars Attacks

En 1962 la compañía Topps lanzo una serie de cromos que acompañaban sus productos, tomando la idea de las trading Cars que se encontraban en furor por aquel entonces y cuyos mayores exponentes eran las colecciones de jugadores de beisbol y de armamento militar.  La idea de Topps era virar el mercado hacia un terreno inexplorado y como las sci-fi movies reinaban en esta época deciden tomar el modelo de la compañía E.C Comics que se especializaba en cómics de terror y ciencia ficción y traspasarlo a los cromos en una serie de tarjetas que le fueron encargadas al artista pulp Norman Saunders quien realizo un hermoso trabajo al retratarnos de la manera más elocuente una invasiones de marcianos sin prejuicios que deciden acabar con la tierra.

La serie se conoció como Mars Attacks y consta en su versión original de 55 tarjetas en las que se va relatando paso a paso el plan de los marcianos para conquistar la tierra. Las tarjetas inician con una secuencia en la que se nos narra la primera avanzada marciana comandada por platillos voladores, que se divierten destruyendo las instalaciones militares y acabando con las  grandes ciudades del planeta en las que los humanos son víctimas de sendos rayos mortales. La serie continua con el desembarco de las tropas marcianas que vienen acompañadas de insectos gigantes y robots asesinos, en donde Sauders no se contienen con el nivel de sangre al reproducir escenas cercanas al gore, que sirven de entrada para la parte final en la que  somos testigos de la contraofensiva humana que inicia con una detonación atómica en el propio Marte y que nos conduce a  la subsecuente invasión a la capitán marciana que finalmente es destruida para así apuntarse una victoria más a favor de los humanos.

Lastimosamente la serie fue sacada rápidamente del mercado al encontrar fuerte oposición por parte de los padres de los niños seguidores de las tarjetas bajo la acusación de ser una serie que alienaba la mente de los pequeños y que invitaba a la violencia; pero que puede ser mejor para un niño que un grupo de imágenes repleta de iconografía pulp con extraterrestres, platillo voladores, monstruos del espacio exterior y lindas señoritas en technicolor, por supuesto nada, pero la adultez conservadora no tiene límites. Sin embargo y pese a su cancelación,  la serie se convertiría  poco tiempo después en un objeto de culto que al día de hoy puede costarle varios miles de dólares a quien quiera poseerla, más aun después del renovado interés que se genero a partir de la película que Tim Burton realizo en 1996, la cual se basa libremente en la colección y que aunque es una buena película  no alcanza el maravilloso impacto que acompaña a la obra original.

Ruby VS Oswald

El 24 de noviembre de 1963, Jack Ruby, un delincuente de quinta categoría que regenta varios clubs de striptease en la ciudad de Dallas traspasa sin ningún problema el estricto cerco de seguridad creado para la protección de Lee Harvey Oswald, disparándole con un Colt Cobra a quemarropa ante la  presencia de varios agentes federales los cuales se notan más que tranquilos ante la situación, solo Oswald parece reaccionar–como no- ante los impactos que horas después le costarían la vida, hecho que posteriormente daría paso a cientos de teorías conspiranoicas en las que se acusa desde las altas esferas del poder norteamericano, la mafia de Chicago, la KGB  hasta organizaciones masónicas de orquestar el asesinato de Oswald el cual sería una pieza más dentro del engranaje de la conspiración para asesinar a Kennedy en uno de los momentos más fascinantes de la subcultura pop mundial.

Poster Del Domingo – Bruce Lee

Aprovechando que por estos días se cumplen 40 años de la muerte del inigualable Bruce Lee, quiero dar un pequeño repaso por la iconografía de sus películas más conocidas. Iniciamos con el poster de The Big Boss (1971) primera película que realizo con la compañía productora Golden Harvest y que supuso un gran éxito para su carrera, cimentando su camino al estrellato gracias a la sorprendente técnica y a su característico histrionismo remarcados a lo largo del metraje que nos narra la historia de Cheng Chao-An un trabajador de una fábrica de hielos que junto a sus primos descubre que en realidad el lugar es una fachada para el tráfico de drogas, tras este descubrimiento la familia de Cheng será liquidada sistemáticamente para evitar que sea revelada la verdad, es en este momento cuando se da inicio a una espectacular venganza en la que nos encontramos a un Bruce Lee en plena forma, como lo demuestra el poster original que se centra en la imagen del pequeño dragón en uno de sus movimientos característicos, dejando como simples segundarios a los demás protagonistas.

Su siguiente producción es Fist of Fury (1972) de nuevo un trabajo con la Golden Harvest quienes tras el éxito de The Big Boss aportan un mayor presupuesto y dejan a cargo de la parte creativa a Bruce Lee quien se encarga de coreografiar todas las escenas de lucha, esto hace que en comparación con su película anterior las escenas se centren más en potenciar los movimientos de artes marciales que en la violencia gratuita característica de su predecesora, sin embargo la película resulta un producto inferior al contar con una historia poco apasionante que se basa en el cliché oriental del duelo entre escuelas de artes marciales, sirviendo de simple excusa  para el lucimiento de Bruce Lee como lo podemos ver en el poster de presentación que es casi una copia de su película anterior al centrarse en la figura de la estrella marcial.

Ese mismo año rueda Way of the Dragon película en la que no solo se encarga de coreografiar las escenas de lucha, sino que es el encargado de escribir el guión y dirigir la película, en un movimiento inesperado por parte de la Golden Harvest al poner todo en manos de su estrella con el que venía teniendo serios problemas gracias sus constantes exigencias. Por fortuna esta confianza fue recompensa al regalarnos una de las mejores películas de artes marciales de la historia y que muy a mi pesar esta subvalorada frente a otros productos que cuenta con una mayor exposición. La historia no narra el enfrentamiento de Tang Lung, un campesino chino que viaja a Roma para ayudar en la atención de un restaurante, con la mafia chino-romana que intentan controlar el local revelándose como un maestro de las artes marciales que en las primeras escaramuzas de los mafiosas logra sendas victorias, es así como los criminales deciden contratar a un asesino llamado Colt interpretado por Chuk Norris quien reta al personaje de Tang a un duelo final en el coliseo romano, regalándonos un momento inolvidable dentro de la subcultura pop  que se conoció como la pela del siglo y que hábilmente fue aprovechada por los diseñadores del poster al remarcar el duelo entre ambos titanes de las artes marciales.

Finalmente llegamos a su película más conocida, la genial Enter the Dragon (1973) estrenada una semana después de su muerte convirtiéndose en un éxito sin precedentes en la historia del cine de Hong Kong transformando a Bruce Lee en una figura de culto que desataría un furor por las películas de artes marciales. En Enter the Dragon nos encontramos con una historia sin igual en la que la seremos testigos de un torneo de artes marciales donde se enfrentaran los mejores peleadores del mundo, este torneo se realiza en una isla controlada por Han, criminal internacional que está en la mira de la justicia, es por eso que Lee es enviado a combatir en el torneo con la idea de develar los secretos que se encuentran en el interior de la isla, allí se encontrara con Roper interpretado por el actor norteamericano John Saxon  y con William personaje a cargo del Jim Kelly figura icónica del blacksploitation con los que saboteara el torneo para desatar al final una  épica batalla campal que  acabara con los planes del criminal  y que cuenta como momento estelar la espectacular batalla entre Bruce Lee y Han  en uno de los mejores momentos de su filmografía que será retratado en gran cantidad de poster como gancho para la película siendo esta la que cuenta con un mayor número de piezas promocionales, yo particularmente siento una fuerte debilidad por su versión norteamericana a la que considero una obra de arte.

House: una casa alucinante

La década de los 80’s es sin duda una de las más prolíficas en cuanto a cine fantástico se refiriere, en ella encontramos gran cantidad de obras que podrían calificarse de culto, una de estas es House (1986) película dirigida por Steve Miner que logra de manera magistral combinar la comedia con el horror. William Kat, recordado por su trabajo en la serie de televisión  El Gran Héroe Americano, es el protagonista de esta historia interpretando el papel de Roger Cobb uno escritor que regresa a la casa donde misteriosamente desapareció su hijo, allí intentara escribir su nueva novela con la que pretende exorcizar sus fantasmas internos, pero la “casa” no se lo pondrá fácil al estropear los planes de Roger con una serie de fenómenos inexplicables que harán tambalear la frágil mente de nuestro protagonista.

A partir de allí la película nos lleva por un camino de descubrimiento en el que Roger poco a poco va develando los secretos que la casa guarda en su interior al igual que el verdadero paradero de su hijo, convirtiendo su estadía en la casa en una lucha continúa por rescatarle, regalándonos varios momentos épicos que se quedan grabados en la memoria como el enfrentamiento con la vecina o el viaje al interior de la casa, todo esto acompañado con unos efectos especiales que destacan de inmediato por su vasta utilización de látex además de una banda sonora impecable a cargo de Harry Manfredini quien logra interpretar muy bien los múltiples contrastes que posee la obra de Steve Miner, creando en conjunto un producto sumamente disfrutable.

Cabe mencionar que tras el éxito de la película se rodaron varias secuelas: House II: The Second Story (1987), House III: The Horror Show (1989) y House IV: The Repossession  (1992) todas ellas obras menores que no logran alcanzar la contundencia de la película original pero que en un afán de completismo podrían hasta resultar entretenidas, yo por mi parte espero continuar revisionando la saga para ver que otras sorpresas me puedo encontrar al interior de esta casa misteriosa.

I Am A Hero

Uno de los mangas más atrapantes publicados en los últimos años es I Am A Hero creación del mangaka Kengo Hanazawa, una obra que despista en su primer tomo al enfocarse casi en un Slice of Life en el que nos narran las desventuras de Hideo Suzuki un aspirante a mangaka de 35 años que al ver como no logra publicar su obra se ve abrumado por un futuro poco prometedor, en una historia que recuerda poderosamente a Bukuman, pero que hábilmente el autor maneja a su antojo dejando pequeñas pistas en el entorno del protagonista que nos van indicando el tono que tomara la historia. Estas pistas (periódicos, noticieros o simples comentarios) son definitivas a la hora de adentrarnos en la apasionante trama de I Am A Hero que explota justo al final del primer tomo cuando nos encontramos con el primer zombie.

La historia entonces toma un giro radical al posicionarnos de frente con una epidemia zombie que crece a pasos agigantados en la que nuestro protagonista tendrá que arreglárselas como pueda para poder sobrevivir, en uno de los aspectos que más resalta de la obra, y es que Hideo es un personaje que carece de las habilidades necesarias para enfrentarse a esta situación, a primera vista una apostaría porque será uno de los primeros en caer debido a su inocencia frente a lo que está sucediendo -que por momentos resulta casi perturbadora-, pero su largo camino lo ayudara a crecer convirtiéndose poco a poco en una especie de anti héroe con el que es imposible no identificarnos al presentar un personaje común y corriente con miedos e inseguridades que lo hacen más cercano al lector a diferencia de otras obras donde los protagonistas rápidamente se convierten en expertos en el tema y en avezadas máquinas de matar.

Otro punto a resaltar es la manera como Hanzawa introduce esta especie de zombies atípicos, pues no son los clásicos zombies romerianos ni tampoco son los infectados de Dany Boyle, en una creación muy particular, una extensión bizarra y retorcida del mito zombie que nos presenta unos seres que al ser mordidos por un infectado sufren una mutación extremadamente dolorosa que los llevara a desarrollar una necesidad constante de sangre humana además de  poseer un excelso gusto por la violencia que sumado a su fuerza extrema permitirán al autor deleitar al lector con más de un festín de tripas que acompañados de un espectacular dibujo y una historia que crece a cada momento dan como resultado una obra de especial atención para aquellos que disfrutamos del querido noveno arte.

Maniac Mansion

Corría el año de 1987 cuando Lucas Film Games crea una de las aventuras gráficas más geniales de la historia de los videojuegos, Maniac Mansion, todo un deleite en cuanto a su jugabilidad gracias a la introducción del sistema SCUMM (Script Creation Utility for Maniac Mansion) que supuso toda una revolución al aumentar la fluidez de las partidas que ganaban en emoción al contar con una interface mucho más intuitiva en comparación con sus predecesores, sumado esto a la posibilidad de escoger entre varios personajes cada uno con habilidades y debilidades diferentes que al final del juego nos conducían a una serie de finales que se iban revelando dependiendo que personajes lograba sobrevivir al terminar el juego.

La historia es hija de su época, el Dr Fred y su familia son víctimas de una extraña mutación que los convierte en zombies, por supuesto sus ansias de comer cerebros se encuentra a la orden del día y nada mejor que una maquina extrae cerebros para calmarla, para probarla deciden secuestrar a la líder de las porrista, pero no contaban con que Dave el novio de la damisela en problemas hará lo imposible por rescatarla acompañado de dos de sus amigo que se inspiran en los estereotipos culturales de los adolescentes de la época.

Contamos entonces con seis diferentes opciones para acompañar a Dave en la difícil misión de adentrarse en la mansión del Dr. Fred y rescatar Sandy: Bernard Bernoulli presidente del club de física que resulta ser la mejor elección para acompañar a Dave al poseer dos habilidades distintas, Razor y Syd dos músicos que cumplen la misma función sin ninguna diferencia significativa en cuanto a sus habilidades, es más solo una cuestión de gusto personar el decantarse por uno de los dos, Wendy Wells linda señorita pixeleda que aporta cerebro a la trama, Michael Stoppe fotógrafo de profesión que cuenta con la mejor música de acompañamiento de todo el juego y finalmente Jeff Woodie surfista con una de las habilidades más limitantes y por ende uno de los menos queridos del juego son los seis paladines que acompañan en a nuestro protagonista en una de las aventuras gráficas más delirantes de la historia de los videojuegos repleta de una gran cantidad de guiños al cine fantástico y de terror de la época que le dan un toque especial al juego que gracias a su historia y características innovadoras logro convertirse en un juego de culto.

Poster Del Domingo - Big Trouble in Little China

Una de las películas que marco mi infancia y estoy seguro que la de muchos es esa obra maestra que John Carpenter nos regalo en 1986 con el tentador titulo de Big Trouble in Little China  en la que Carpenter contaba por primera vez como el apoyo de una de las grandes productoras de Hollywood y con la para nada despreciable cifra de $25.000.000 millones de dólares de presupuesto que sirvieron para lograr el mayor delirio visual que la carrera de Carpenter nos haya podido ofrecer: guerreros místicos, monstruos, hechiceros medievales, lindas señoritas y un anti héroe inolvidable encarnado por un genial Kurt Russell son la base fundamental para uno de esas películas que son imposibles de olvidar, muestra de ello son la gran cantidad de posters que se hicieron sobre ella, iniciando con el clásico que privilegia la imagen de Kurt Russell en su papel de Jack Burton relegando a un segundo plano todo el componente fantástico de la película, incluso la maciza Kim Kattrall se destaca más que por ejemplo el villano de la película Lo Pan que se encuentra casi invisible en un costado de la imagen.

La misma línea toma el poster francés que se decanta por Jack Burton, incluso promocionando la película como una “cruzada del héroe” con el maravilloso titulo Les Aventures de Jack Burton Dans les Griffes du Mandarin, introduciendo de manera descarada el personaje del Mandarín en una jugada promocional digna de recordar, sin embargo a diferencia del poster norteamericano, esta vez el componente fantástico tienen un lugar preponderante con Lo Pan a.k.a Mandarin en el centro de la imagen con cara de pocos amigos desplegando sus “rayos malignos” en un de los posters más interesantes creados para la película 

Pero sin duda es el poster japonés el que le hace justicia a todo el imaginario de la película, como es costumbre allende los mares saben vender una película de la mejor manera así es como este poster nos exhibe lo mejor de la película, el trió protagonista en el centro de la imagen -con una Kim Kattrall agarrando el brazo del héroe representando la típica doncella en problemas características de la iconografía Pulp-  y el peligro alrededor: Lo Pan, las tres tormentas, los Wing Kong y un elemento que me llama particularmente la atención que son los dos personajes en blanco y negro que aparecen frente al rostro de Wang Chi y que si mi memoria no me falla no aparecen en la película, de hecho el sujeto que está detenido en el aire me recuerda poderosamente al actor Shih Kien recordado por ser el villano de la genial Enter the Dragon (1973) y que sin duda alguna no aparece en la película, convirtiendo su inclusión en el poster en un recurso estilístico que me parece sumamente encantador.

La Mirada de Meiko Kaji

Meiko Kaji nace en 1947 en la ciudad de Tokio, comenzando su carrera cinematográfica a mediados de los años 60 con la conocida compañía productora Nikkkatsu, con pequeños papeles en los que aparecía como segundaria de las estrellas de la compañía, su gran oportunidad llega en 1970 cuando fue elegida como una de las protagonistas de la saga de Stray Cat Rock, que inicia con Stray Cat Rock: Female Boss la cual se erige como una de las pioneras del genero Sukeban que se centra en el imaginario de grupos de jóvenes delincuentes femeninas y que en esta obra nos presenta a  Meiko Kaji como la líder de una “pandilla”, construyendo alrededor de si, una aura de mujer fatal que ira acrecentando durante la saga llegando al paroxismo en la imprescindible Stray Cat Rock: Sex Hunter (1971).

                  

En 1972 Meiko abandona Nikkkatsu, que tras una crisis economía decide orientar sus películas hacia el porno suave y el erotismo (aunque sin abandonar del todo sus acostumbrados baños de sangre), firmando con la todo poderosa Toei, con los que protagoniza Female Prisoner #701: Scorpion  en la que interpreta a Nami Matsushima una mujer engañada por un policía corrupto, violada por yakuzas y encerrada en una prisión femenina donde será objeto de todo tipo de torturas y humillaciones por parte de sus guardianes y compañeras. Pero más allá de esto, es la fría mirada de la protagonista la que imprime un toque sublime a la película, pues es con esta y el mismo silencio que lleva a cabo su venganza, escena final que convertiría en celebre el traje de gabardina y sombrero que Meiko porta en ella. Este papel lo repetiría en tres oportunidades más en Female Convict Scorpion: Jailhouse 41, Female Convict Scorpion: Beast Stable y finalmente en Female Convict Scorpion: Grudge Song, serie de películas rodadas entre 1972 y 1973 que son un claro ejemplo del exploitation nipón, en una saga que no tiene desperdició alguno.

                 

En 1973 encarna a Yuki en la impresionante Lady Snowblood, adaptación del popular manga de Kazuo Koike y Kazuo Kamimura que nos relata una de las historias más violentas de era Meiji. Huérfana desde el mismo momento de su nacimiento y cuya existencia solo tiene una razón de ser, la venganza para con aquellos que destruyeron su familia. Meiko Kaji representa en esta película el epitome de la venganza, una mujer con un gélida mirada, parte odio y parte tristeza que no conserva en su ser un mínimo de piedad, llevando su venganza hasta límites insospechados, convirtiendo el personaje de Yuki en todo un icono de la serie B japonesa en una de las mejores películas que haya podido ver. Lastima la idea de la Toei de seguir explotando el personaje de Meiko al realizar la innecesaria Lady Snowblood 2: Love Song of Vengeance (1974) que desvirtúa por completo el perfecto final de la primera parte y que deja sin pies ni cabeza al personaje de Yuki quien era movida en la película original por su incesante sed de venganza y que esta vez carece de tal sentimiento, en una película que como obra independiente resulta por lo menos interesante de ver, pero que comparada con la original se queda escalones abajo ante la magnificencia de la obra original.

               

Tras el personaje de Yuki, Meiko continua con una carrera más o menos exitosa, se destacan su participación en la genial Yakuza Graveyard  (1976) acompañando a Tetsuya Watari en una película de policía duro e insobornable que se enfrenta con mano firme al crimen organizado y en la infumable The Love Suicides at Sonezaki (1978), con las que gano el premio Blue Ribbon y el Hochii Fil Award por su actuación, muy alejada de sus anteriores “heroínas salvajes” en un intento por apartarse del nicho de la Serie B y focalizar su carrera en papeles de talante más serio, pero que al final terminarían por ser un pseudo canto del cisne al perder el misticismo de icono violento que la caracterizaba.También cabe mencionar su carrera como cantante que compaginaba con su oficio de actriz siendo en repetidas ocasiones la encargada de componer la banda sonora de las películas, esta otra faceta fue recopilada en el maravilloso Zenkyoku Shu (2004) un hermoso disco repleto de canciones terriblemente melancólicas  que se me antoja increíblemente adictivo, en su momento lo escuche de manera casi obsesiva al caer hipnotizado por la variedad de matices que solo acrecentaron más el mito de esa hermosa mujer llamada Meiko Kaji.